ARTnews
Datos Básicos:
· Revista estadounidense fundada en 1902 (la más antigua en circulación), originalmente publicada bajo el título Hyade’s Weekly Art News debido a su fundador James Clarence Hyde (periodista, crítico e historiador del arte). En 1923 cambia su nombre al actual, ARTnews.
· Desde 1972 hasta la actualidad, el editor y responsable de la revista es Milton Esterow (quien trabajaba previamente como reportero y asistente de la sección cultural del New York Times).
· ARTnews tiene una tirada de unos 200.000 ejemplares con una periodicidad de once números al año (los ejemplares correspondientes a los meses Julio y Agosto se presentan en una única publicación: Summer).
· Página Web: http://www.artnewsonline.com/home/
Análisis de ARTnews: (teniendo en cuenta las publicaciones del 2008)
· En sus páginas se encuentran noticias dedicadas, sobretodo, a la pintura y quedando un tanto relegados a un segundo plano los demás medios artísticos. Sin embargo, como temas de portada sí que prestan atención a distintas prácticas artísticas (ej. Febrero de 2008 - especial New Media).
· No sólo prestan atención al arte contemporáneo, sino que también presentan artículos dedicados a antiguos maestros del arte (dentro de temas como subastas, exposiciones, ensayos, etc.).
· En cuanto al perfil de la revista, Esterow lo deja claro: "Hay que bajar el arte del pedestal; escribir de la misma manera en que se abordaría cualquier investigación policial o de información general. Hablar de arte como el The New York Times habla del mundo o el Washington Post cubre la política". En efecto, el lenguaje es conciso y claro, sin abordar temas de fondo.
· Las críticas son muy resumidas y tratadas como si de publicidad se tratase.
· Es una revista primordialmente para el negocio del arte. Se tocan temas legales, sobre la gestión cultural y de museos, datación, subastas, etc.
· Es claro el enfoque nacional (exceptuando los temas de portada), escasas y breves son las notas acerca del arte contemporáneo a nivel internacional.
· Dicho enfoque nacional se observa en la publicidad. Son, prácticamente todas, sobre muestras en U.S. En cuanto a publicidad hay que destacar que, aparte de los anuncios de exposiciones, se publicitan distintas compañías de seguros.
A destacar:
· En 2002, con ocasión del 100 aniversario, realizaron una exposición “Portrait of the Art World” en el Smithsonian National Portrait Gallery: http://www.npg.si.edu/cexh/artnews/index.htm
· Todos los años publican diferentes encuestas realizadas a artistas, coleccionistas, y personas relevantes en el mundo del arte, sobre distintos aspectos de interés (ej. Mejores artistas, mejores galerías, coleccionistas - O bien: 2007: “¿Qué artistas serán famosos dentro de 105 años?” 1991: importante debate sobre la muerte de la pintura.)
· Algunos artículos importantes: -1961: R. Rosenblum “Lo sublime abstracto”. 1952 H. Rosenberg “American Action Painters” -1957: M Shapiro “The liberating quality of Avant-Garde Art” -1971 L. Nochlin “Why have there been no great women artists”.
· Antología de los textos aparecidos en ARTnews: “The Art World: A seventy-five year treasury of ARTnews” (ed. ARTnews Books, 1977). Ha recibido muy buenas críticas, ya que resume los mejores artículos de la revista.
FLASH ART INTERNATIONAL
Datos Básicos:
· Flash Art fue fundada en 1967 por Giancarlo Politi, actual director y editor de la revista (también creó una editorial Giancarlo Politi Editore especializada en libros de arte). Después de un período bilingüe de la revista, en 1979 Flash Art se divide en dos ediciones diferentes: Flash Art Italia y Flash Art International (primer número dedicado a la transvanguardia italiana). También se realizaron ediciones en francés, español, alemán (al no haber información, se deduce que no han tenido gran éxito).
· La dirección y edición de Flash Art International está a cargo de Helena Kontova (crítica de arte).
· Flash Art International tiene una circulación bimensual. Junto con Artforum, es de las más importantes revistas de arte contemporáneo a nivel internacional.
· Página web: http://www.flashartonline.com
Análisis de FLASH ART International: (teniendo en cuenta las publicaciones del 2008)
· Nuevamente se trata de una publicación de estilo periodístico, sin temas tratados en profundidad, sólo un decidido interés en la difusión. Con un lenguaje claro y directo. Está dividida en dos apartados diferenciables por el estilo de su maquetación. Por un lado se encuentran temas tratados fugazmente sobre diversos acontecimientos en el mundo del arte contemporáneo, y por el otro una sección titulada Focus, con distintos artículos que tratan un tema o zona en particular (es. May-June 2008 Italia, Jan-Feb 2008 India).
· Focalizada en el arte contemporáneo, en todas sus variantes. Fundamentalmente presenta el panorama expositivo internacional. También se encargan de informar sobre aspectos legales, del coleccionismo, gestión museística, etc. En esta revista no tiene cabida el arte de otros períodos.
· Es primordial el uso de la entrevista. Es parte de la filosofía que tienen desde que empezó la publicación de la edición italiana.
· Importante peso a la publicidad, de las 160 páginas (aprox.) que contiene la revista, las primeras 40 suelen ser anuncios de diferentes exposiciones en todo el mundo. Son, por lo tanto, el grueso de la revista y lo más importante de la misma.
· Las críticas de arte, muy breves y abigarradas, forman también parte de la publicidad.
A destacar:
· Flash Art International ha servido como puente para conectar el arte italiano con el mercado internacional. También han solicitado a algunos artistas el diseño de la portada de la revista.
· Se ha publicado en 1990 “Flash Art. Two decades of History. XXI Years”. Asímismo, la edición de agosto-septiembre 2008 contiene Flash Art 41 years, una recopilación de los mejores artículos de la revista. Antologías de gran interés porque resumen las entrevistas y artículos importantes.
· Politi también publica Art Diary International y Art Diary Italia. Un listado con los contactos de galeristas, museos, artistas, comisarios, críticos y profesionales del arte.
· En 1993 Politi, en colaboración con el ayuntamiento de Trevi, crea el Trevi Flash Art Museum, un museo privado dedicado al arte contemporáneo. (Aún no dispone de página web).
· En el año 2003 Politi y Kontova fundaron la Bienal de Praga y la Fundación para su organización.
miércoles, 29 de octubre de 2008
REVISTAS ITALIANAS por Alfredo Aracil
Arte e crítica: Periodico trimestral de cultura de más de 10 años de trayectoria. Periódico. Su director es Roberto Lambarelli. Publicación sobre arte contemporáneo, política, arquitectura
Arte In: Revista bimestral de critica e información de arte contemporáneo. Su director es Giancarlo Calcagni.15 años de trayectoria.
Artigianato: Revista trimestral de arte y diseño. Más de 50 números. Dirigida por Ugo La pietra.
D'Ars – Publicación trimestral de artes visuales, diseño, arquitectura, cine, teatro y música dirigida de 1984 a 2003 por Pierre Restany. Más de 180 números
DOMUS: Revista clásica de arquitectura y artes visuales recientemente reditada en conjunto por
TASCHEN. Su trayectoria comienza en 1960 con el boom del diseño italiano.
Su web se puede visitar también en inglés http://www.domusweb.it/ Su último número es 918 y está dedicado a
JULIET: Revista de arte surgida de una plataforma artística con el mismo nombre. Es una publicación en italiano dedicada a las artes visuales.
NEXT: Publicación trimestral de arte y cultura.
SEGNO. Publicación internacional editada desde Italia y consagrada al arte contemporáneo. Más de 200 números. Dirigida por Lucia Spadano
Terzoocchio: Revista trimestral de arte contemporáneo fundada en los años 70. Directora: Patrizia Bonfiglioli
AGENCY D'ARS: Trimestral de arte contemporáneo afincado en Italia. Dirigido hasta 2003 por Pierre Restany
ART DIARY: Actualidad del arte contemporáneo, editada por Giancarlo Politi
ART'E': Revista cuatrimestral de arte contemporánea editada en Bolonia.
ART E DOSSIER: Revista mensual de arte contemporáneo.
Arte In: Revista bimestral de critica e información de arte contemporáneo. Su director es Giancarlo Calcagni.15 años de trayectoria.
Artigianato: Revista trimestral de arte y diseño. Más de 50 números. Dirigida por Ugo La pietra.
D'Ars – Publicación trimestral de artes visuales, diseño, arquitectura, cine, teatro y música dirigida de 1984 a 2003 por Pierre Restany. Más de 180 números
DOMUS: Revista clásica de arquitectura y artes visuales recientemente reditada en conjunto por
TASCHEN. Su trayectoria comienza en 1960 con el boom del diseño italiano.
Su web se puede visitar también en inglés http://www.domusweb.it/ Su último número es 918 y está dedicado a
JULIET: Revista de arte surgida de una plataforma artística con el mismo nombre. Es una publicación en italiano dedicada a las artes visuales.
NEXT: Publicación trimestral de arte y cultura.
SEGNO. Publicación internacional editada desde Italia y consagrada al arte contemporáneo. Más de 200 números. Dirigida por Lucia Spadano
Terzoocchio: Revista trimestral de arte contemporáneo fundada en los años 70. Directora: Patrizia Bonfiglioli
AGENCY D'ARS: Trimestral de arte contemporáneo afincado en Italia. Dirigido hasta 2003 por Pierre Restany
ART DIARY: Actualidad del arte contemporáneo, editada por Giancarlo Politi
ART'E': Revista cuatrimestral de arte contemporánea editada en Bolonia.
ART E DOSSIER: Revista mensual de arte contemporáneo.
ART MONTHLY, ARTFORUM Y FRIEZE por Luis M. Ruiz
ART MONTHLY
www.artmonthly.co.uk
Editora: Patricia Bickers
Art Monthly es una revista británica fundada en 1976 por Peter Townsed y Jack Wendler. Es la más veterana de entre las revistas dedicadas al arte contemporáneo en Gran Bretaña y su lema es “Proporcionar documentada cobertura del arte contemporáneo y todos los asuntos que le rodean”. Entre los asuntos tratados en sus páginas desde que vio la luz destacan el obituario, incluido en el primer número, de Marcel Broodthaers diseñado por Richard Hamilton; la investigación llevada a cabo para averiguar las implicaciones de la contribución de Charles Saatchi en el arte británico, o la reciente iniciativa de crear un programa de conferencias “móviles” (ya que viajan de una ciudad a otra) de un día de duración donde se analizan distintos aspectos relacionados con el arte contemporáneo como, por ejemplo, los roles cambiantes del crítico y el curator o la carga de ficción y realidad en los documentales de arte. Su tirada es mensual aunque hay algunos meses como julio y agosto que comparten tirada. El total de números editados al año es de diez.
Como podemos leer en su página web Art Monthly está dedicada a cubrir las artes visuales en un contexto tanto estético e intelectual como histórico y político. Y ello lo hace a través de reseñas, perfiles, reportajes y entrevistas. Entre éstas últimas destacan las realizadas a Damián Hirst, Gilbert & George, Sol LeWitt, Richard Serra, Barbara Kruger o David Hockney. En Art Monthly cuentan con un columnista, Henry Lydiate, en cuya columna Artlaw guía al lector a través de los delicados asuntos legales relacionados con el arte. Ha habido desde su fundación un constante propósito de descubrir nuevos valores dentro de la crítica de arte así como de contar con las opiniones más reputadas dentro del panorama del arte contemporáneo británico. Su último número, el del mes de octubre, se ocupa, entre otras cuestiones, del futuro de la educación artística.
ARTFORUM
www.artforum.com
Editor: Tim Griffin
La revista fue fundada en 1962 en la ciudad californiana de San Francisco. Cinco años después, y tras un breve paso por Los Ángeles, se estableció definitivamente en Nueva York donde continua ubicada hoy día. Artforum fue evolucionando desde una óptica modernista hacia posturas más cercanas al Minimal y al Arte Conceptual proporcionando un importante apoyo a artistas como Robert Smithson, Donald Judd y Sol Lewitt. La revista se publica diez veces al año, entre cuyos números se encuentra un número especial en verano. Se caracteriza por tener un peculiar diseño cuadrado y por ser de una extensión bastante amplia. Entre sus muchos contenidos destaca, en cuanto a cantidad, sus anuncios a toda página de las principales galerías de todo el mundo. Entre éstas destacan, como es obvio, las galerías norteamericanas e inglesas.
A sus habituales artículos fijos, como el editorial de Tim Griffin, se unen colaboraciones de personajes tan destacados dentro de los campos de la crítica, la historia del arte o la estética como Douglas Crimp, Thomas Crow o Arthur Danto. También encontramos entre sus páginas reseñas de exposiciones en todo el mundo. Los temas tratados por Artforum no sólo se limitan al mundo de las artes plásticas ya que también tiene importantes secciones donde se analizan aspectos relacionados con el cine y el video-arte. También podemos encontrar, en su versión en internet, un link a Bookforum (http://www.bookforum.com/) una importante publicación donde se hace un exhaustivo seguimiento sobre las últimas novedades literarias. Otro de los enlaces que podemos encontrar en Artforum.com es Art &Education una publicación vía e-mail que se encarga de mandar a sus suscriptores información sobre los eventos culturales más destacados que tienen lugar en todas las universidades del mundo así como información sobre puestos de trabajo disponibles en el campo de las artes visuales. Asimismo podemos encontrar, de nuevo en su edición digital, un apartado en el que encontraremos distintos videos relativos al mundo del arte, como, por ejemplo, uno de Robert Rauschemberg hablando sobre su controvertida obra Erased de Kooning Drawing.
FRIEZE
www.frieze.com
Editores: Jennifer Higgie y Jörg Heiser
Fundada en 1991 la publicación británica Frieze es uno de los puntales sobre los que se apoya el proyecto Frieze, que también incluye la prestigiosa Frieze Art Fair londinenese y la Frieze Fundation. La Frieze Art Fair es una feria de arte contemporáneo que recoge las últimas tendencias en arte contemporáneo y que tiene lugar en el londinenese Regent’s Park todos los meses de octubre. En ella se dan cita más de 150 galerías de todo el mundo en las que se exhibe las obras más punteras de los más importantes artistas de la actualidad. Del proyecto curatorial de la Frieze Art Fair se encarga la mencionada Frieze Fundation, organización sin animo de lucro fundada en 2003, que además se encarga de la organización de distintas charlas y actividades en el marco de la feria.
La revista Frieze ofrece un amplio abanico de información relativa a todos los aspectos del arte contemporáneo. Podemos encontrar distintos artículos consagrados a perspectivas tan distintas como la educación o la exhibición de obras de arte. También hay hueco para la música, el cine, o la literatura artística o cinematográfica. En su último número, por ejemplo, podemos destacar los siguientes contenidos: en su sección Education encontramos un artículo relativo a la próxima incorporación del artista islando-danés Olafur Eliasson a la Berlin’s Universität der Künste (UdK) en calidad de profesor. En otras secciones como Interview encontramos una entrevista al fotógrafo alemán Wolfgang Tillman a propósito de la última exposición sobre su obra organizada en Berlín. También encontramos en sus páginas una sección denominada Focus donde se pone el acento en el trabajo de varios artistas, como por ejemplo la cubana Tania Bruguera. En las páginas de Frieze también podemos ver numerosas reseñas que se hacen eco de las últimas exposiciones en toda la geografía mundial.
www.artmonthly.co.uk
Editora: Patricia Bickers
Art Monthly es una revista británica fundada en 1976 por Peter Townsed y Jack Wendler. Es la más veterana de entre las revistas dedicadas al arte contemporáneo en Gran Bretaña y su lema es “Proporcionar documentada cobertura del arte contemporáneo y todos los asuntos que le rodean”. Entre los asuntos tratados en sus páginas desde que vio la luz destacan el obituario, incluido en el primer número, de Marcel Broodthaers diseñado por Richard Hamilton; la investigación llevada a cabo para averiguar las implicaciones de la contribución de Charles Saatchi en el arte británico, o la reciente iniciativa de crear un programa de conferencias “móviles” (ya que viajan de una ciudad a otra) de un día de duración donde se analizan distintos aspectos relacionados con el arte contemporáneo como, por ejemplo, los roles cambiantes del crítico y el curator o la carga de ficción y realidad en los documentales de arte. Su tirada es mensual aunque hay algunos meses como julio y agosto que comparten tirada. El total de números editados al año es de diez.
Como podemos leer en su página web Art Monthly está dedicada a cubrir las artes visuales en un contexto tanto estético e intelectual como histórico y político. Y ello lo hace a través de reseñas, perfiles, reportajes y entrevistas. Entre éstas últimas destacan las realizadas a Damián Hirst, Gilbert & George, Sol LeWitt, Richard Serra, Barbara Kruger o David Hockney. En Art Monthly cuentan con un columnista, Henry Lydiate, en cuya columna Artlaw guía al lector a través de los delicados asuntos legales relacionados con el arte. Ha habido desde su fundación un constante propósito de descubrir nuevos valores dentro de la crítica de arte así como de contar con las opiniones más reputadas dentro del panorama del arte contemporáneo británico. Su último número, el del mes de octubre, se ocupa, entre otras cuestiones, del futuro de la educación artística.
ARTFORUM
www.artforum.com
Editor: Tim Griffin
La revista fue fundada en 1962 en la ciudad californiana de San Francisco. Cinco años después, y tras un breve paso por Los Ángeles, se estableció definitivamente en Nueva York donde continua ubicada hoy día. Artforum fue evolucionando desde una óptica modernista hacia posturas más cercanas al Minimal y al Arte Conceptual proporcionando un importante apoyo a artistas como Robert Smithson, Donald Judd y Sol Lewitt. La revista se publica diez veces al año, entre cuyos números se encuentra un número especial en verano. Se caracteriza por tener un peculiar diseño cuadrado y por ser de una extensión bastante amplia. Entre sus muchos contenidos destaca, en cuanto a cantidad, sus anuncios a toda página de las principales galerías de todo el mundo. Entre éstas destacan, como es obvio, las galerías norteamericanas e inglesas.
A sus habituales artículos fijos, como el editorial de Tim Griffin, se unen colaboraciones de personajes tan destacados dentro de los campos de la crítica, la historia del arte o la estética como Douglas Crimp, Thomas Crow o Arthur Danto. También encontramos entre sus páginas reseñas de exposiciones en todo el mundo. Los temas tratados por Artforum no sólo se limitan al mundo de las artes plásticas ya que también tiene importantes secciones donde se analizan aspectos relacionados con el cine y el video-arte. También podemos encontrar, en su versión en internet, un link a Bookforum (http://www.bookforum.com/) una importante publicación donde se hace un exhaustivo seguimiento sobre las últimas novedades literarias. Otro de los enlaces que podemos encontrar en Artforum.com es Art &Education una publicación vía e-mail que se encarga de mandar a sus suscriptores información sobre los eventos culturales más destacados que tienen lugar en todas las universidades del mundo así como información sobre puestos de trabajo disponibles en el campo de las artes visuales. Asimismo podemos encontrar, de nuevo en su edición digital, un apartado en el que encontraremos distintos videos relativos al mundo del arte, como, por ejemplo, uno de Robert Rauschemberg hablando sobre su controvertida obra Erased de Kooning Drawing.
FRIEZE
www.frieze.com
Editores: Jennifer Higgie y Jörg Heiser
Fundada en 1991 la publicación británica Frieze es uno de los puntales sobre los que se apoya el proyecto Frieze, que también incluye la prestigiosa Frieze Art Fair londinenese y la Frieze Fundation. La Frieze Art Fair es una feria de arte contemporáneo que recoge las últimas tendencias en arte contemporáneo y que tiene lugar en el londinenese Regent’s Park todos los meses de octubre. En ella se dan cita más de 150 galerías de todo el mundo en las que se exhibe las obras más punteras de los más importantes artistas de la actualidad. Del proyecto curatorial de la Frieze Art Fair se encarga la mencionada Frieze Fundation, organización sin animo de lucro fundada en 2003, que además se encarga de la organización de distintas charlas y actividades en el marco de la feria.
La revista Frieze ofrece un amplio abanico de información relativa a todos los aspectos del arte contemporáneo. Podemos encontrar distintos artículos consagrados a perspectivas tan distintas como la educación o la exhibición de obras de arte. También hay hueco para la música, el cine, o la literatura artística o cinematográfica. En su último número, por ejemplo, podemos destacar los siguientes contenidos: en su sección Education encontramos un artículo relativo a la próxima incorporación del artista islando-danés Olafur Eliasson a la Berlin’s Universität der Künste (UdK) en calidad de profesor. En otras secciones como Interview encontramos una entrevista al fotógrafo alemán Wolfgang Tillman a propósito de la última exposición sobre su obra organizada en Berlín. También encontramos en sus páginas una sección denominada Focus donde se pone el acento en el trabajo de varios artistas, como por ejemplo la cubana Tania Bruguera. En las páginas de Frieze también podemos ver numerosas reseñas que se hacen eco de las últimas exposiciones en toda la geografía mundial.
LÁPIZ, ARTECONTEXTO Y EXIT BOOKS por Alejandro Rodríguez
LAPIZ
Revista Internacional de Arte
LÁPIZ es la revista en lengua española más influyente en el mundo internacional del arte. En edición bilingüe español/inglés, es también la revista de arte contemporáneo que más años lleva activa en España, desde su fundación en 1982, y es la única con periodicidad mensual.
Su editor y director es José Alberto López, y tiene como colaboradores a diversas personalidades del mundo del arte como Pilar Bonet , Estrella de Diego, Anna María Guasch, Juan Antonio Ramirez, etc.
La revista se articula en base a una serie de secciones (Travelling, Zoom, Perfil…) con un espacio central dedicado a varios artículos de larga extensión a modo de dossier.
Su estructura, por tanto, se asemeja a la de las diferentes revistas de divulgación (ya sea música, historia y demás), con la particularidad de que Lápiz cuida en extremo sus maquetación y eso se nota, obteniendo unos resultados visuales eficaces, ordenados y elegantes. Además, su formato de 242 x 287 mm., permite unas buenas reproducciones a toda página y todas a color, lo cual contribuye a la vistosidad de la revista.
Su extensión oscila de 90 a 100 páginas, por tanto podemos decir que su precio, 8,90e, resulta equilibrado (sin olvidar que todos los contenidos están por duplicado).
Por poner alguna pega, la excesiva publicidad en sus primeras páginas y la ausencia de una web propia donde consultar sus contenidos y donde verter opiniones. Sólo eso.
ARTECONTEXTO
Arte Cultura Nuevos Medios
“Los objetivos de ARTECONTEXTO son impulsar el debate, contribuir a la visibilidad de los artistas españoles en el contexto internacional y trazar un diálogo permanente con la producción visual de Latinoamérica. Así como dedicar una especial atención a los nuevos medios y al net.art.”
Esta es la propia definición que se hace desde la página web de la revista (www.artecontexto.com), y en pos de esa internacionalidad sus textos también están traducidos al inglés.
ARTECONTEXTO (editada y dirigida por Alicia Murría) es una publicación trimestral, coincidiendo su publicación con el advenimiento de las diferentes estaciones. La última publicación supone la número 19, lo cual nos indica que estamos ante una revista muy joven, apenas cinco años.
La revista se articula entorno a un extenso dossier central, cerrando la publicación con una larga coda dedicada a las exposiciones que se reparten por todo el planeta.
Su formato cuadrado de 220 x 220 mm., hace que la publicación sea fácil de manejar, cómoda, y permite unas buenas ilustraciones (todas a color) a lo largo de sus 156 páginas, maquetadas con gusto y sencillez.
Si hay alguna pega desde luego es su precio: 18 euros. Vale la pena suscribirse…
EXITBOOK
Revista semestral de libros de arte y cultura visual
EXITBOOK, fundada en 2002 y dirigida por Alberto Sánchez, se define como única revista del mundo dedicada exclusivamente al análisis y comentario de libros de arte y cultura visual. En el número de invierno la mejor selección de los libros y catálogos publicados en el año sobre arte, estética, teoría, arquitectura, fotografía.... a través de las críticas, ensayos, análisis de expertos destacados (profesores, críticos, teóricos, artistas, etc.), perfiles de los filósofos y teóricos que han marcado la historia de la estética internacional, entrevistas. En el número de verano una aproximación en profundidad a un tema concreto a través de sus expertos, bibliografía exhaustiva, textos y ensayistas destacados internacionalmente.
No todos sus contenidos se ciñen a la crítica de libros, si no que su primera parte se dedica a los diferentes artículos y entrevistas relacionados con el tema principal y único. Porque esa es la principal característica, EXITBOOK escoge un tema central y lo pule a lo largo de sus 140-150 páginas, consiguiendo con este hacer una gran profundidad el tema en cuestión. Por tanto aquí no encontraremos diversidad y, si bien la revista puede resultar un tanto monolítica, también es cierto que desgranan cada uno de los puntos de vista de la cuestión en unos textos con un tremendo peso específico. Su carácter exhaustivo se acentúa por la extensión de los mismos, que al no estar ceñidos al bilingüismo, despliegan a gusto toda su batería retórica.
Su formato de 230 x 270 mm., podría dar mucho más de sí para aplicar unas buenas ilustraciones a color, algo que no encontraremos en EXITBOOK, pues casi todas sus imágenes están en blanco y negro.
La ausencia de satinado en el papel y una maquetación clásica, dan a la revista un aspecto de auténtico libro.
A la hora de gastarnos los 15 euros que cuesta la publicación habremos de mirar cual es el tema elegido en esa ocasión, pues si no nos interesa demasiado (algo extraño aunque probable) es mejor darse la vuelta porque allí no se hablará de otra cosa, todo lo que salga del tema central serán otros temas tangenciales, lo cual lejos de ser un problema constituye una bendición pues jamás en esta revista se queda uno con la miel en los labios. Sin duda, EXITBOOK, constituye una forma rigurosa y amena de aprender, y una herramienta útil como pocas para adentrarse en cada una de las cuestiones elegidas.
Revista Internacional de Arte
LÁPIZ es la revista en lengua española más influyente en el mundo internacional del arte. En edición bilingüe español/inglés, es también la revista de arte contemporáneo que más años lleva activa en España, desde su fundación en 1982, y es la única con periodicidad mensual.
Su editor y director es José Alberto López, y tiene como colaboradores a diversas personalidades del mundo del arte como Pilar Bonet , Estrella de Diego, Anna María Guasch, Juan Antonio Ramirez, etc.
La revista se articula en base a una serie de secciones (Travelling, Zoom, Perfil…) con un espacio central dedicado a varios artículos de larga extensión a modo de dossier.
Su estructura, por tanto, se asemeja a la de las diferentes revistas de divulgación (ya sea música, historia y demás), con la particularidad de que Lápiz cuida en extremo sus maquetación y eso se nota, obteniendo unos resultados visuales eficaces, ordenados y elegantes. Además, su formato de 242 x 287 mm., permite unas buenas reproducciones a toda página y todas a color, lo cual contribuye a la vistosidad de la revista.
Su extensión oscila de 90 a 100 páginas, por tanto podemos decir que su precio, 8,90e, resulta equilibrado (sin olvidar que todos los contenidos están por duplicado).
Por poner alguna pega, la excesiva publicidad en sus primeras páginas y la ausencia de una web propia donde consultar sus contenidos y donde verter opiniones. Sólo eso.
ARTECONTEXTO
Arte Cultura Nuevos Medios
“Los objetivos de ARTECONTEXTO son impulsar el debate, contribuir a la visibilidad de los artistas españoles en el contexto internacional y trazar un diálogo permanente con la producción visual de Latinoamérica. Así como dedicar una especial atención a los nuevos medios y al net.art.”
Esta es la propia definición que se hace desde la página web de la revista (www.artecontexto.com), y en pos de esa internacionalidad sus textos también están traducidos al inglés.
ARTECONTEXTO (editada y dirigida por Alicia Murría) es una publicación trimestral, coincidiendo su publicación con el advenimiento de las diferentes estaciones. La última publicación supone la número 19, lo cual nos indica que estamos ante una revista muy joven, apenas cinco años.
La revista se articula entorno a un extenso dossier central, cerrando la publicación con una larga coda dedicada a las exposiciones que se reparten por todo el planeta.
Su formato cuadrado de 220 x 220 mm., hace que la publicación sea fácil de manejar, cómoda, y permite unas buenas ilustraciones (todas a color) a lo largo de sus 156 páginas, maquetadas con gusto y sencillez.
Si hay alguna pega desde luego es su precio: 18 euros. Vale la pena suscribirse…
EXITBOOK
Revista semestral de libros de arte y cultura visual
EXITBOOK, fundada en 2002 y dirigida por Alberto Sánchez, se define como única revista del mundo dedicada exclusivamente al análisis y comentario de libros de arte y cultura visual. En el número de invierno la mejor selección de los libros y catálogos publicados en el año sobre arte, estética, teoría, arquitectura, fotografía.... a través de las críticas, ensayos, análisis de expertos destacados (profesores, críticos, teóricos, artistas, etc.), perfiles de los filósofos y teóricos que han marcado la historia de la estética internacional, entrevistas. En el número de verano una aproximación en profundidad a un tema concreto a través de sus expertos, bibliografía exhaustiva, textos y ensayistas destacados internacionalmente.
No todos sus contenidos se ciñen a la crítica de libros, si no que su primera parte se dedica a los diferentes artículos y entrevistas relacionados con el tema principal y único. Porque esa es la principal característica, EXITBOOK escoge un tema central y lo pule a lo largo de sus 140-150 páginas, consiguiendo con este hacer una gran profundidad el tema en cuestión. Por tanto aquí no encontraremos diversidad y, si bien la revista puede resultar un tanto monolítica, también es cierto que desgranan cada uno de los puntos de vista de la cuestión en unos textos con un tremendo peso específico. Su carácter exhaustivo se acentúa por la extensión de los mismos, que al no estar ceñidos al bilingüismo, despliegan a gusto toda su batería retórica.
Su formato de 230 x 270 mm., podría dar mucho más de sí para aplicar unas buenas ilustraciones a color, algo que no encontraremos en EXITBOOK, pues casi todas sus imágenes están en blanco y negro.
La ausencia de satinado en el papel y una maquetación clásica, dan a la revista un aspecto de auténtico libro.
A la hora de gastarnos los 15 euros que cuesta la publicación habremos de mirar cual es el tema elegido en esa ocasión, pues si no nos interesa demasiado (algo extraño aunque probable) es mejor darse la vuelta porque allí no se hablará de otra cosa, todo lo que salga del tema central serán otros temas tangenciales, lo cual lejos de ser un problema constituye una bendición pues jamás en esta revista se queda uno con la miel en los labios. Sin duda, EXITBOOK, constituye una forma rigurosa y amena de aprender, y una herramienta útil como pocas para adentrarse en cada una de las cuestiones elegidas.
REVISTAS LATINOAMERICANAS DE ARTE CONTEMPORÁNEO por Ana Ynuén Sariego
1. Revistas latinoamericanas de arte contemporáneo
Arte al Día Internacional, fundada en 1980, es una revista que difunde el arte latinoamericano centrándose en el la plástica. Su fundador, Jorge Augusto Costa Peuser, expresa tener por misión “hacer conocer al arte latinoamericano: sus artistas y sus obras ,sus museos, galerías y anticuarios. Generar una verdadera comunidad de Arte Latinoamericano, para que éste sea un punto de encuentro de estudiosos y amantes de las artes visuales, llámense: coleccionistas, curadores, galeristas, críticos, artistas o, simplemente aficionados.” Busca fortalecer los vínculos comerciales entre Museos, Fundaciones, Galerías y Coleccionistas de arte Latinoamericano.
La revista tiene 5 ediciones al año y otras revistas de la misma empresa como The Americas Art Directory, directorio de todos los museos y galerías de América, se edita anualmente. Arte al Dia News MEX, un periódico con información de circulación gratuita en México que se edita mensualmente y Arte al Dia News Argentina que contiene información del mismo orden enfocada en Argentina, Uruguay y Chile, se edita también mensualmente. La empresa tiene cedes en Miami, México D.F., Buenos Aires y Cordoba Argentina, Caracas, Santo Domingo, Puerto Rico, San Francisco, Santa Fe, Los Angeles.
La revista Arte al día Internacional, que parece ser de las pocas revistas sobre arte latinoamericano que se pueden encontrar en Madrid, según yo constaté, la única revista actual en la biblioteca del MNCARS que trata sobre este tipo de arte. El último número que encontré en dicha biblioteca es el #118. de Marzo de 2007.
La revista se imprime en Buenos Aires pero tiene sedes en distintos focos del continente americano. En ella se hacen críticas de exposiciones, referencias a ferias, noticias y se anuncian distintos eventos y compañías relacionadas con el arte. En el número impreso que leí en la biblioteca se menciona a artistas de muy diversos países de Latinoamérica, casi desde la Patagonia hasta cruzar el Rio Bravo y llegar a Estados Unidos. Lugares como Los Angeles, Miami, Arizona, etc., que son sitios con un gran flujo de población latinoamericana o de origen latinoamericano, son focos importantes nombrados en esta revista.
El estilo de criticas y referencias que se puede apreciar en ese número tiene un equilibrio adecuado entre la crítica meramente teórica y la descripción visual. Se caracteriza por hacer análisis que narran cómo son las obras desde su constitución plástica y también el contexto del artista, su entorno sociopolítico. Se enumeran los lugares en donde el artista ha expuesto sus trabajos.
Por una parte, se engloba en una sola revista a muchísimos países, a casi todo un continente, que si bien comparten muchas cosas, se diferencian en otras, y abre así el cuestionamiento sobre la existencia o no de una identidad latinoamericana, la cercanía entre distintas naciones, la lejanía entre ellas en el espacio y en la cultura. No es mi intención dar un juicio de valor acerca de este documento sino simplemente decir que hacer una revista englobadora del arte latinoamericano tiene la gran y central ventaja de difundir el arte latinoamericano contemporáneo en la misma Latinoamérica y en Estados Unidos y Europa, entre otros lugares. Subraya de esta forma la importancia de este territorio en el campo del arte y abre nuevos horizontes para las expresiones artísticas. Al mismo tiempo, este medio de difusión provoca cuestionamientos acerca de la unidad y multiplicidad de la cultura latinoamericana, la posibilidad de agruparla. Provoca preguntarnos por la cercanía y la lejanía espacial y cultural, que no siempre coinciden.
La revista está escrita en dos columnas, una en español y otra en inglés. La que está en inglés, que es la primera de izquierda a derecha, está impresa en un color más obscuro que la otra, que se lee con más dificultad en un color gris. Esto refiere a la hegemonía de la cultura de Estados Unidos en Latinoamérica, pero también a los estrechos lazos entre los estadounidenses y los latinoamericanos. ¿Cómo serían Los Angeles o Nueva York sin latinoamericanos? y ¿qué sería Cuba, Puerto Rico, Cd. Juarez o Tijuana, sin el flujo de gente desde E.U. y sin la bomba cotidiana que se recibe de cultura de E.U? (inclídas las culturas indígenas) Y viceversa, ¿como pensar América Latina y sus expresiones artísticas sin E.U.?
Esto nos recuerda que estas culturas, incluyendo la estadounidense y a veces también la canadiense son muy cercanas en muchos aspectos al entorno latinoamericano. Y sin embargo, es peligroso englobar en una misma revista obras de tan distintos lugares, y no sólo distintos, sino sumamente lejanos. El interés de la revista, sin embargo no es este, sino más bien el de dar a conocer las últimas obras de artistas latinoamericanos y dar un panorama general desde el cual se dan estas, sean cuales sean los lugares o peculiaridades de éstos.
En ésta revista se anuncian exposiciones, inauguraciones, galerías, en una página en Miami, en la otra en Buenos Aires, en Cuba, Costa Rica, México D.F., Brasil, etc. Lo cual sirve para saber qué exposiciones hay en el continente americano y a veces en Europa, y si se tienen los recursos para poder viajar, para visitarlas.
Entre los elementos que me parecieron más destacables de esta revista destaca el hecho de que es clara la redacción escrita con palabras familiares sobre todo para un latinoamericano, se ofrece bastante información tanto de las obras, como del artista y los lugares de exposición, se proporcionan noticias sobre el entorno sociopolítico, se nombran distintos museos y galerías en el continente americano. Creo que las críticas se acentúan, por lo menos en ese número, el contexto político en el que surgen las obras, a nuevos modos de hacer arte en Latinoamérica y proponen críticas profundas con un buen aparato teórico.
El número #118 citado contiene entrevistas con Dawn Ades que es Directora de la Colección de Arte Latinoamericano de la Universidad de Essex y con Luis Pérez-Oramas, el primer curador de arte latinoamericano en el MOMA.
Estas dos entrevistas tienen un nexo en común. Ambas plantean la posibilidad de expandir las fronteras del arte latinoamericano, a Estados Unidos y a Europa, en Nueva York y en Inglaterra, con la intención de integrar el arte latinoamericano al mundo del arte norteamericano y europeo. Ambos personajes hablan sobre la escasez que hay en la difusión del arte latinoamericano y muestran su entusiasmo de apoyarla.
Hay además ediciones de esta revista más locales en México, Argentina y “El caribe” (no he podido descubrir dónde exactamente) que detallan eventos, exposiciones, criticas más específicas. Sin embargo, no parece ser que éstas lleguen a España. Para poder ver la revista en Internet es necesario estar subscrito, puede consultarse News de Argentina en la web y el de México está en construcción.
En Internet puede consultarse una base de datos de artistas del continente americano y de algunos países de Europa como España, Italia, Francia, Holanda, Bélgica. También hay galerías on-line, información sobre exposiciones, galerias, muestras, talleres.
-La última edición es el número #123 de Junio / Julio 2008 que contiene los siguientes artículos: Doris Salcedo por María Margarita - Malagón – Kurka, Eduardo Costa por María José Herrera, Héctor Fuenmayor por Jesúa Fuenmayor, Jac Leirner por Daniela Castro, Jorge Cadieses por Luis Lama, Rétournement por Daniel R. Quiles, Arte / Vida por Ana Tallone, Wifredo Lam´s Legacy por Milagros Bello, The Whitney Biennal 2008 por Joseph R. Wolin
2. Revistas de arte contemporáneo en México
Hay que destacar que en México son muy leídas revistas norteamericanas como Art in America o Art Forum, y aunque hay muchas publicaciones sobre arte, pocas se centran específicamente en el arte contemporáneo, algunas son:
-La tempestad
La tempestad (http://www.diariolatempestad.com/) que se edita en Monterrey, México, bimestralmente. “Es una publicación dedicada a la difusión del arte en las siguientes disciplinas: literatura, pensamiento, cine, música, arquitectura, artes visuales, artes escénicas y diseño. Aborda temas culturales relacionados con el arte y el pensamiento. Complementa su proyecto editorial con la edición de un suplemento de arte para gente de negocios y publicaciones de arte y fotografía.” En la página, que está constantemente actualizándose (www.diariolatempestad.com) se habla en la sección sobre artes visuales por ejemplo sobre una exposición en la galería Acquavella de Nueva York sobre La Marie Thérèse de Picasso. Se habla así mismo de otra exposición en Nueva York: la exhibición Now’s the time, sobre la retrospectiva de Cy Twombly en Bilbao, la exposición en La Casa de la Cultura de Fuengirola en Málaga sobre La Tauromaquia de Goya y Picasso y del festival anual de Londres, el Frieze Art Fair, etc.
Es una guía para estar enterado desde México sobre lo que ocurre en el marco de las artes en el mundo, pero, ¿informa bien sobre lo que ocurre en México? Por ejemplo, no se dice nada hasta la última consulta que hice hoy sobre la conferencia que se llevara acabo en la Colección Jumex titulada Marcel Ducgamp y Andy Warhol: Dos figuras icónicas del siglo XX que llevarán a cabo Francis M. Naumann y Matt Wrbican.
-Gozne
A & R Press
a@a-rpress.com
agonzalez@editorialmapas.com
Periodicidad: semestral
Publicación del artista Gabriel Orozco, editada por A & R Press,que expone obra inédita de archivo y material no conocido de artistas plásticos, arquitectos, teóricos, diseñadores y escritores. Director: Gabriel Orozco.
Editora: Alexandra García Ponce.
Arte al Día Internacional, fundada en 1980, es una revista que difunde el arte latinoamericano centrándose en el la plástica. Su fundador, Jorge Augusto Costa Peuser, expresa tener por misión “hacer conocer al arte latinoamericano: sus artistas y sus obras ,sus museos, galerías y anticuarios. Generar una verdadera comunidad de Arte Latinoamericano, para que éste sea un punto de encuentro de estudiosos y amantes de las artes visuales, llámense: coleccionistas, curadores, galeristas, críticos, artistas o, simplemente aficionados.” Busca fortalecer los vínculos comerciales entre Museos, Fundaciones, Galerías y Coleccionistas de arte Latinoamericano.
La revista tiene 5 ediciones al año y otras revistas de la misma empresa como The Americas Art Directory, directorio de todos los museos y galerías de América, se edita anualmente. Arte al Dia News MEX, un periódico con información de circulación gratuita en México que se edita mensualmente y Arte al Dia News Argentina que contiene información del mismo orden enfocada en Argentina, Uruguay y Chile, se edita también mensualmente. La empresa tiene cedes en Miami, México D.F., Buenos Aires y Cordoba Argentina, Caracas, Santo Domingo, Puerto Rico, San Francisco, Santa Fe, Los Angeles.
La revista Arte al día Internacional, que parece ser de las pocas revistas sobre arte latinoamericano que se pueden encontrar en Madrid, según yo constaté, la única revista actual en la biblioteca del MNCARS que trata sobre este tipo de arte. El último número que encontré en dicha biblioteca es el #118. de Marzo de 2007.
La revista se imprime en Buenos Aires pero tiene sedes en distintos focos del continente americano. En ella se hacen críticas de exposiciones, referencias a ferias, noticias y se anuncian distintos eventos y compañías relacionadas con el arte. En el número impreso que leí en la biblioteca se menciona a artistas de muy diversos países de Latinoamérica, casi desde la Patagonia hasta cruzar el Rio Bravo y llegar a Estados Unidos. Lugares como Los Angeles, Miami, Arizona, etc., que son sitios con un gran flujo de población latinoamericana o de origen latinoamericano, son focos importantes nombrados en esta revista.
El estilo de criticas y referencias que se puede apreciar en ese número tiene un equilibrio adecuado entre la crítica meramente teórica y la descripción visual. Se caracteriza por hacer análisis que narran cómo son las obras desde su constitución plástica y también el contexto del artista, su entorno sociopolítico. Se enumeran los lugares en donde el artista ha expuesto sus trabajos.
Por una parte, se engloba en una sola revista a muchísimos países, a casi todo un continente, que si bien comparten muchas cosas, se diferencian en otras, y abre así el cuestionamiento sobre la existencia o no de una identidad latinoamericana, la cercanía entre distintas naciones, la lejanía entre ellas en el espacio y en la cultura. No es mi intención dar un juicio de valor acerca de este documento sino simplemente decir que hacer una revista englobadora del arte latinoamericano tiene la gran y central ventaja de difundir el arte latinoamericano contemporáneo en la misma Latinoamérica y en Estados Unidos y Europa, entre otros lugares. Subraya de esta forma la importancia de este territorio en el campo del arte y abre nuevos horizontes para las expresiones artísticas. Al mismo tiempo, este medio de difusión provoca cuestionamientos acerca de la unidad y multiplicidad de la cultura latinoamericana, la posibilidad de agruparla. Provoca preguntarnos por la cercanía y la lejanía espacial y cultural, que no siempre coinciden.
La revista está escrita en dos columnas, una en español y otra en inglés. La que está en inglés, que es la primera de izquierda a derecha, está impresa en un color más obscuro que la otra, que se lee con más dificultad en un color gris. Esto refiere a la hegemonía de la cultura de Estados Unidos en Latinoamérica, pero también a los estrechos lazos entre los estadounidenses y los latinoamericanos. ¿Cómo serían Los Angeles o Nueva York sin latinoamericanos? y ¿qué sería Cuba, Puerto Rico, Cd. Juarez o Tijuana, sin el flujo de gente desde E.U. y sin la bomba cotidiana que se recibe de cultura de E.U? (inclídas las culturas indígenas) Y viceversa, ¿como pensar América Latina y sus expresiones artísticas sin E.U.?
Esto nos recuerda que estas culturas, incluyendo la estadounidense y a veces también la canadiense son muy cercanas en muchos aspectos al entorno latinoamericano. Y sin embargo, es peligroso englobar en una misma revista obras de tan distintos lugares, y no sólo distintos, sino sumamente lejanos. El interés de la revista, sin embargo no es este, sino más bien el de dar a conocer las últimas obras de artistas latinoamericanos y dar un panorama general desde el cual se dan estas, sean cuales sean los lugares o peculiaridades de éstos.
En ésta revista se anuncian exposiciones, inauguraciones, galerías, en una página en Miami, en la otra en Buenos Aires, en Cuba, Costa Rica, México D.F., Brasil, etc. Lo cual sirve para saber qué exposiciones hay en el continente americano y a veces en Europa, y si se tienen los recursos para poder viajar, para visitarlas.
Entre los elementos que me parecieron más destacables de esta revista destaca el hecho de que es clara la redacción escrita con palabras familiares sobre todo para un latinoamericano, se ofrece bastante información tanto de las obras, como del artista y los lugares de exposición, se proporcionan noticias sobre el entorno sociopolítico, se nombran distintos museos y galerías en el continente americano. Creo que las críticas se acentúan, por lo menos en ese número, el contexto político en el que surgen las obras, a nuevos modos de hacer arte en Latinoamérica y proponen críticas profundas con un buen aparato teórico.
El número #118 citado contiene entrevistas con Dawn Ades que es Directora de la Colección de Arte Latinoamericano de la Universidad de Essex y con Luis Pérez-Oramas, el primer curador de arte latinoamericano en el MOMA.
Estas dos entrevistas tienen un nexo en común. Ambas plantean la posibilidad de expandir las fronteras del arte latinoamericano, a Estados Unidos y a Europa, en Nueva York y en Inglaterra, con la intención de integrar el arte latinoamericano al mundo del arte norteamericano y europeo. Ambos personajes hablan sobre la escasez que hay en la difusión del arte latinoamericano y muestran su entusiasmo de apoyarla.
Hay además ediciones de esta revista más locales en México, Argentina y “El caribe” (no he podido descubrir dónde exactamente) que detallan eventos, exposiciones, criticas más específicas. Sin embargo, no parece ser que éstas lleguen a España. Para poder ver la revista en Internet es necesario estar subscrito, puede consultarse News de Argentina en la web y el de México está en construcción.
En Internet puede consultarse una base de datos de artistas del continente americano y de algunos países de Europa como España, Italia, Francia, Holanda, Bélgica. También hay galerías on-line, información sobre exposiciones, galerias, muestras, talleres.
-La última edición es el número #123 de Junio / Julio 2008 que contiene los siguientes artículos: Doris Salcedo por María Margarita - Malagón – Kurka, Eduardo Costa por María José Herrera, Héctor Fuenmayor por Jesúa Fuenmayor, Jac Leirner por Daniela Castro, Jorge Cadieses por Luis Lama, Rétournement por Daniel R. Quiles, Arte / Vida por Ana Tallone, Wifredo Lam´s Legacy por Milagros Bello, The Whitney Biennal 2008 por Joseph R. Wolin
2. Revistas de arte contemporáneo en México
Hay que destacar que en México son muy leídas revistas norteamericanas como Art in America o Art Forum, y aunque hay muchas publicaciones sobre arte, pocas se centran específicamente en el arte contemporáneo, algunas son:
-La tempestad
La tempestad (http://www.diariolatempestad.com/) que se edita en Monterrey, México, bimestralmente. “Es una publicación dedicada a la difusión del arte en las siguientes disciplinas: literatura, pensamiento, cine, música, arquitectura, artes visuales, artes escénicas y diseño. Aborda temas culturales relacionados con el arte y el pensamiento. Complementa su proyecto editorial con la edición de un suplemento de arte para gente de negocios y publicaciones de arte y fotografía.” En la página, que está constantemente actualizándose (www.diariolatempestad.com) se habla en la sección sobre artes visuales por ejemplo sobre una exposición en la galería Acquavella de Nueva York sobre La Marie Thérèse de Picasso. Se habla así mismo de otra exposición en Nueva York: la exhibición Now’s the time, sobre la retrospectiva de Cy Twombly en Bilbao, la exposición en La Casa de la Cultura de Fuengirola en Málaga sobre La Tauromaquia de Goya y Picasso y del festival anual de Londres, el Frieze Art Fair, etc.
Es una guía para estar enterado desde México sobre lo que ocurre en el marco de las artes en el mundo, pero, ¿informa bien sobre lo que ocurre en México? Por ejemplo, no se dice nada hasta la última consulta que hice hoy sobre la conferencia que se llevara acabo en la Colección Jumex titulada Marcel Ducgamp y Andy Warhol: Dos figuras icónicas del siglo XX que llevarán a cabo Francis M. Naumann y Matt Wrbican.
-Gozne
A & R Press
a@a-rpress.com
agonzalez@editorialmapas.com
Periodicidad: semestral
Publicación del artista Gabriel Orozco, editada por A & R Press,que expone obra inédita de archivo y material no conocido de artistas plásticos, arquitectos, teóricos, diseñadores y escritores. Director: Gabriel Orozco.
Editora: Alexandra García Ponce.
martes, 28 de octubre de 2008
¿LEJANA INDIA? por Alejandro Rodríguez
India, 1.100 millones de habitantes, más de cien lenguas distintas.
Basado en esta obviedad, La Casa Encendida nos presenta a cuatro artistas indios como aperitivo al gran almuerzo que significa ARCO, cuyo invitado este año será precisamente India. Para entonces todos habremos perfeccionado nuestro acento hindi y esta muestra debería constituir una especie de entrenamiento, una clase de lenguaje si se quiere, pero con su caótico montaje nos han arrebatado las vocales y el idioma, entonces, no lo entiende ni Vishnu.
Debido a la distribución de las salas y a los rótulos invisibles, uno no sabe si entra a una exposición, a una bolera o a un Starbucks. De esta manera, la aparición en la sala es toda una sorpresa. El azar me llevó a la videoinstalación de Amar Kanwar (1964), The Ligthning Testimonies, formada por ocho proyecciones que tratan el problema de las mujeres víctimas de la violencia sexual en la frontera indo-pakistaní. La sala se convierte en un prisma, un juego de espejos que da luz a un mismo problema, una pluralidad necesaria para acercarnos aún más a la verdad de una desgracia recurrente. Kanwar, desde la Documenta de Kassel (2003), ha paseado por medio mundo su incisiva visión del poder y la política en relación con las capas más bajas de la sociedad. Su alegato se hace sutil gracias a la lírica de sus imágenes y de su lenguaje, consiguiendo una paz tan pesada y grave como la de Gandhi.
Otra sala. Sheela Gowda (1957) se presenta y su saludo consta de dos acuarelas y dos esculturas. Las dos pinturas nos remiten imágenes de violencia, ejercida esta vez de hombre a hombre. Parece el hilo conductor del Indostán, al menos de su creatividad. Al asomarnos a su escultura A Blanket and the Sky(2004) percibimos una atmósfera fúnebre por el color gastado y la frialdad de los bidones de alquitrán, material único de la obra, también por la manta, con aspecto hiriente, de faquir. Pero al meter la cabeza y alzar la vista vemos el cielo y sus estrellas, unas sencillas perforaciones en la chapa. Esta honestidad de Gowda encandila y tiene la brillante propiedad de convertir un objeto grotesco en una caja de música nacarada.
Anup Mathew Thomas es el siguiente y al principio me decepciona. La serie de diapositivas Well, basically this is about Thomas Jacob, bueno, vale, pues eso, básicamente trata sobre Thomas Jacob, su padre. Y nada más. Otra cosa distinta es la serie Metropolitan(2006), unas fotografías de obispos cristianos (religión minoritaria en la India) cuya presentación y atuendos nos hace sonreír (¡parecen los malos de Flash Gordon!) a la vez que nos inquietan, pues sabemos que todos ellos ostentan algún tipo de poder. Anup, hijo, ve con cuidado, no queremos que seas el nuevo Rushdie. Y tras la galería de esperpentos, una serie de pistas de baile vacías proyectadas sobre la pared. No hay gente porque se prohibió el baile, sólo se mueven los focos, cambiando de color. De nuevo la paz y el silencio como denuncia, otra vez la fuerza del poema estático.
En la misma sala, se exponen las pinturas de N.S.Harsa, cuya visión de la cultura y la política vuelve a ser violenta, presentando una multiplicidad repetitiva donde los personajes viven angustiados, oprimidos, estresados. Multitudes recorridas por fantasmas, ejecutivos vomitando nubes negras, payasos de narices sangrantes, son los elementos de un bestiario que nos absorbe (gracias a las grandes dimensiones de los lienzos) y nos sumerge en la histeria.
Al final de la exposición voy a la sala donde se proyectan cuatro entrevistas hechas a los artistas por la comisaria Luisa Ortínez, lo cual me aclara algunos conceptos aquí plasmados, algo que agradezco sobremanera. Pero, recapitulando, ¿qué me quieren contar? ¿Qué en la India ya no mandan los ingleses?¿Qué Kipling ya no es un referente?¿Qué no hay blanquitos sobre tigres abatidos?¿Qué los bigotazos blancos ya no están de moda? Ortínez dice “La intención es la de acercar al espectador a unos creadores de una realidad cultural muy diferente a la nuestra”, pues si esa es la intención, error mayúsculo, ya que la violencia de género, el poder de la religión, la angustia de la modernidad, la represión policial, es algo tan cercano como el curry que, sin saber su composición, enseguida reconocemos su sabor.
Basado en esta obviedad, La Casa Encendida nos presenta a cuatro artistas indios como aperitivo al gran almuerzo que significa ARCO, cuyo invitado este año será precisamente India. Para entonces todos habremos perfeccionado nuestro acento hindi y esta muestra debería constituir una especie de entrenamiento, una clase de lenguaje si se quiere, pero con su caótico montaje nos han arrebatado las vocales y el idioma, entonces, no lo entiende ni Vishnu.
Debido a la distribución de las salas y a los rótulos invisibles, uno no sabe si entra a una exposición, a una bolera o a un Starbucks. De esta manera, la aparición en la sala es toda una sorpresa. El azar me llevó a la videoinstalación de Amar Kanwar (1964), The Ligthning Testimonies, formada por ocho proyecciones que tratan el problema de las mujeres víctimas de la violencia sexual en la frontera indo-pakistaní. La sala se convierte en un prisma, un juego de espejos que da luz a un mismo problema, una pluralidad necesaria para acercarnos aún más a la verdad de una desgracia recurrente. Kanwar, desde la Documenta de Kassel (2003), ha paseado por medio mundo su incisiva visión del poder y la política en relación con las capas más bajas de la sociedad. Su alegato se hace sutil gracias a la lírica de sus imágenes y de su lenguaje, consiguiendo una paz tan pesada y grave como la de Gandhi.
Otra sala. Sheela Gowda (1957) se presenta y su saludo consta de dos acuarelas y dos esculturas. Las dos pinturas nos remiten imágenes de violencia, ejercida esta vez de hombre a hombre. Parece el hilo conductor del Indostán, al menos de su creatividad. Al asomarnos a su escultura A Blanket and the Sky(2004) percibimos una atmósfera fúnebre por el color gastado y la frialdad de los bidones de alquitrán, material único de la obra, también por la manta, con aspecto hiriente, de faquir. Pero al meter la cabeza y alzar la vista vemos el cielo y sus estrellas, unas sencillas perforaciones en la chapa. Esta honestidad de Gowda encandila y tiene la brillante propiedad de convertir un objeto grotesco en una caja de música nacarada.
Anup Mathew Thomas es el siguiente y al principio me decepciona. La serie de diapositivas Well, basically this is about Thomas Jacob, bueno, vale, pues eso, básicamente trata sobre Thomas Jacob, su padre. Y nada más. Otra cosa distinta es la serie Metropolitan(2006), unas fotografías de obispos cristianos (religión minoritaria en la India) cuya presentación y atuendos nos hace sonreír (¡parecen los malos de Flash Gordon!) a la vez que nos inquietan, pues sabemos que todos ellos ostentan algún tipo de poder. Anup, hijo, ve con cuidado, no queremos que seas el nuevo Rushdie. Y tras la galería de esperpentos, una serie de pistas de baile vacías proyectadas sobre la pared. No hay gente porque se prohibió el baile, sólo se mueven los focos, cambiando de color. De nuevo la paz y el silencio como denuncia, otra vez la fuerza del poema estático.
En la misma sala, se exponen las pinturas de N.S.Harsa, cuya visión de la cultura y la política vuelve a ser violenta, presentando una multiplicidad repetitiva donde los personajes viven angustiados, oprimidos, estresados. Multitudes recorridas por fantasmas, ejecutivos vomitando nubes negras, payasos de narices sangrantes, son los elementos de un bestiario que nos absorbe (gracias a las grandes dimensiones de los lienzos) y nos sumerge en la histeria.
Al final de la exposición voy a la sala donde se proyectan cuatro entrevistas hechas a los artistas por la comisaria Luisa Ortínez, lo cual me aclara algunos conceptos aquí plasmados, algo que agradezco sobremanera. Pero, recapitulando, ¿qué me quieren contar? ¿Qué en la India ya no mandan los ingleses?¿Qué Kipling ya no es un referente?¿Qué no hay blanquitos sobre tigres abatidos?¿Qué los bigotazos blancos ya no están de moda? Ortínez dice “La intención es la de acercar al espectador a unos creadores de una realidad cultural muy diferente a la nuestra”, pues si esa es la intención, error mayúsculo, ya que la violencia de género, el poder de la religión, la angustia de la modernidad, la represión policial, es algo tan cercano como el curry que, sin saber su composición, enseguida reconocemos su sabor.
UNA MIRADA ACTUAL SOBRE LA INDIA por Natalia Braidot
Cuatro artistas indios nos ofrecen la posibilidad de activar la mirada y la percepción contemporánea sobre la compleja realidad política y social del subyugante país del sur de Asia.
El arte de la India ha sido víctima de una falta de interés, una palpable indiferencia que se remediará a través de la exposición que actualmente presenta La Casa Encendida. Bajo el discutible título Reflejos de la India contemporánea, se exhibe una pequeña muestra que, si bien no puede tomarse como un reflejo integral del arte indio, sí permite conocer a cuatro artistas ya poseedores de un destacado renombre en el mundo del arte contemporáneo. Cuatro artistas escogidos debido al profundo diálogo que producen entre su cultura y su producción artística. Un arduo trabajo de campo realizado por la comisaria de la exposición, Luisa Ortinez, quien en una labor transcultural, estuvo dos años en la India para empaparse de este arte.
Los artistas provienen de diferentes ámbitos de la India, un país cuyas disparidades se pueden atisbar en la diversidad de los temas utilizados así como en la elección del medio artístico. Sheela Gowda (1957, Bhadravati), abandonó la pintura para dedicarse a la escultura y a la instalación utilizando materiales humildes, cotidianos y a la vez locales con los que plasmar sus reflexiones en torno a las tensiones sociopolíticas de su país. Así lo ejemplifica en A blanket and the Sky (2004), obra realizada con bidones de alquitrán utilizados en la construcción pero que en la India sirven también, una vez allanados, de cobijo efímero a los trabajadores nómadas del país. Y en esta paradoja, el austero tamaño de las casuchas se engrandece conmemorando su fragilidad.
Anup Mathew Thomas (1977, Kochi, Kerala) nos muestra, a través de sus fotografías-documentales, las narraciones de su vida. Representa lo histórico y lo político, lo cotidiano y lo habitual, e incluso lo autobiográfico, para testimoniar la curiosidad por su propia tierra. La exposición presenta, entre otras, la obra Light Life (2006), una instalación fotográfica que hace referencia a la clausura de las salas de baile en Mumbay en el año 2005, por creerlas lugares propicios para el crimen y la prostitución. El artista, a través del cambio lumínico en el fundido de las imágenes, se hace eco de la ausencia que la censura de estos sitios provocó. Una forma quizás un tanto sutil de pasarle a la historia el cepillo a contrapelo.
Dentro de esta meditación y análisis sobre las fracturas de nuestra época se alza la obra de N. S. Harsha (1969, Mysore), un artista que se expresa a través de la pintura, las instalaciones y las colaboraciones en eventos comunitarios de gran interés. Come Give Us a Speech (2008), es una obra que por sus gigantescas dimensiones, ha tenido problemas en su traslado aunque afirman que llegará dentro de dos días, lo que sin duda será un momento oportuno para ir a visitar esta exposición. En ella, Harsha revela su íntima relación con los comics y el aprecio por la tradición de la miniatura en la pintura india. Pero la singularidad de esta obra es la heterogeneidad de sus miles de personajes que están a la espera de un orador. Un orador que parece trasvasarse a la figura del espectador como auténtico partícipe de la obra. El público ya no es un término ideal, sino que se trata de un elemento formador del proceso creativo.
En el tramo final de este recorrido, se encuentra la única obra expuesta de Amar Kanwar (1974, Nueva Delhi) The Lightning Testimonies (2007). En el año 2002 se produjeron en la ciudad de Gujarat una serie de enfrentamientos que, entre otras atrocidades, provocaron ultrajes, mutilaciones y violaciones a mujeres y niñas como parte de la estrategia terrorista. Este y otros episodios causaron un gran impacto en Amar Kanwar quien, a través de sus video-instalaciones, explora la forma de dar a conocer estas infames experiencias y asegura, al mismo tiempo, un futuro con memoria. Sus ocho pantallas relatan la humillación encarnada en el cuerpo de la mujer, otorgándoles un espacio de digno protagonismo.
Las expresiones artísticas que se pueden recorrer en estas salas no son propicias a una mirada rápida y fugaz, ni apropiado sería valorarlas desde un punto exclusivamente formal o iconográfico. En esta exposición, como diría Heidegger, La obra habló. Habló de un mundo que nos remite a las experiencias humanas en el dominio de la reflexión y comprensión del entorno. Habló de un miedo al olvido.
El arte de la India ha sido víctima de una falta de interés, una palpable indiferencia que se remediará a través de la exposición que actualmente presenta La Casa Encendida. Bajo el discutible título Reflejos de la India contemporánea, se exhibe una pequeña muestra que, si bien no puede tomarse como un reflejo integral del arte indio, sí permite conocer a cuatro artistas ya poseedores de un destacado renombre en el mundo del arte contemporáneo. Cuatro artistas escogidos debido al profundo diálogo que producen entre su cultura y su producción artística. Un arduo trabajo de campo realizado por la comisaria de la exposición, Luisa Ortinez, quien en una labor transcultural, estuvo dos años en la India para empaparse de este arte.
Los artistas provienen de diferentes ámbitos de la India, un país cuyas disparidades se pueden atisbar en la diversidad de los temas utilizados así como en la elección del medio artístico. Sheela Gowda (1957, Bhadravati), abandonó la pintura para dedicarse a la escultura y a la instalación utilizando materiales humildes, cotidianos y a la vez locales con los que plasmar sus reflexiones en torno a las tensiones sociopolíticas de su país. Así lo ejemplifica en A blanket and the Sky (2004), obra realizada con bidones de alquitrán utilizados en la construcción pero que en la India sirven también, una vez allanados, de cobijo efímero a los trabajadores nómadas del país. Y en esta paradoja, el austero tamaño de las casuchas se engrandece conmemorando su fragilidad.
Anup Mathew Thomas (1977, Kochi, Kerala) nos muestra, a través de sus fotografías-documentales, las narraciones de su vida. Representa lo histórico y lo político, lo cotidiano y lo habitual, e incluso lo autobiográfico, para testimoniar la curiosidad por su propia tierra. La exposición presenta, entre otras, la obra Light Life (2006), una instalación fotográfica que hace referencia a la clausura de las salas de baile en Mumbay en el año 2005, por creerlas lugares propicios para el crimen y la prostitución. El artista, a través del cambio lumínico en el fundido de las imágenes, se hace eco de la ausencia que la censura de estos sitios provocó. Una forma quizás un tanto sutil de pasarle a la historia el cepillo a contrapelo.
Dentro de esta meditación y análisis sobre las fracturas de nuestra época se alza la obra de N. S. Harsha (1969, Mysore), un artista que se expresa a través de la pintura, las instalaciones y las colaboraciones en eventos comunitarios de gran interés. Come Give Us a Speech (2008), es una obra que por sus gigantescas dimensiones, ha tenido problemas en su traslado aunque afirman que llegará dentro de dos días, lo que sin duda será un momento oportuno para ir a visitar esta exposición. En ella, Harsha revela su íntima relación con los comics y el aprecio por la tradición de la miniatura en la pintura india. Pero la singularidad de esta obra es la heterogeneidad de sus miles de personajes que están a la espera de un orador. Un orador que parece trasvasarse a la figura del espectador como auténtico partícipe de la obra. El público ya no es un término ideal, sino que se trata de un elemento formador del proceso creativo.
En el tramo final de este recorrido, se encuentra la única obra expuesta de Amar Kanwar (1974, Nueva Delhi) The Lightning Testimonies (2007). En el año 2002 se produjeron en la ciudad de Gujarat una serie de enfrentamientos que, entre otras atrocidades, provocaron ultrajes, mutilaciones y violaciones a mujeres y niñas como parte de la estrategia terrorista. Este y otros episodios causaron un gran impacto en Amar Kanwar quien, a través de sus video-instalaciones, explora la forma de dar a conocer estas infames experiencias y asegura, al mismo tiempo, un futuro con memoria. Sus ocho pantallas relatan la humillación encarnada en el cuerpo de la mujer, otorgándoles un espacio de digno protagonismo.
Las expresiones artísticas que se pueden recorrer en estas salas no son propicias a una mirada rápida y fugaz, ni apropiado sería valorarlas desde un punto exclusivamente formal o iconográfico. En esta exposición, como diría Heidegger, La obra habló. Habló de un mundo que nos remite a las experiencias humanas en el dominio de la reflexión y comprensión del entorno. Habló de un miedo al olvido.
EL EMBRUJO DE LA INDIA por Alfredo Aracil
Cuando 1951 Jean Renoir realizó la película El Río, el genial cineasta francés, quizás guiado por su inconsciente cultural, artículo un artefacto que a partir de un estructura de melodrama retrataba la simbología fluvial de una India imperturbable y mágica. Eternamente anclada en la tradición. A través de los ojos un de occidental, su mirada circulaba por un sendero de imágenes-tiempo heredadas de un misticismo romántico desaparecido de Europa tras la Revolución Industrial; más cercano a la nostalgia del Walden de Thoreau que a la etnografía desarrollada algunos años más tarde por otra cineasta como Jean Rouch.
Algo queda todavía de aquella India. Sin embargo, a día de hoy resulta imposible pensar en la India como un país arcano. Los medios de comunicación han acabado con la inocencia de la tradición romántica del viajero occidental ensimismado. Actualmente, de cara a realizar un retrato que se quiera profundo -a través del arte- de la situación de la India contemporánea es necesario enfrentarse a su compleja realidad con herramientas útiles, metodologías que esquiven tópicos heredados y huyan del relato colonial como referente.
Y precisamente eso es lo que busca Reflejos de la India, una exposición que se podrá ver en La Casa Encendida hasta el 4 de enero de 2009. Fruto de un trabajo campo de más de dos años realizado por la comisaria Luisa Ortinez -visitando estudios de artistas y sumergiéndose en la realidad cotidiana del país-, la exposición, gracias a la presentación del trabajo heterogéneo de cuatro artistas indios, configura un plano general rico en detalles que prepara a los espectadores españoles para el gran desembarco indio que supondrá ARC0 09.
Sheela Gowda (Bhadravati, 1957), Amar Kanwar (Delhi, 1964), N S Harsha (Mysore, 1969), Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977), son los nombres elegidos para representar por medio de instalaciones, videos, pinturas y fotografías, la actualidad de una sociedad efervescente. Un conglomerado de culturas enfrentadas a diario con poderosas contradicciones nacidas de un crecimiento económico hipertrófico, que pronto hará de la India una de las potencias hegemónicas del siglo XXI. En la obra de estos artistas palpita la complejidad de una sociedad que, con un pie en el futuro, mantiene una encarnizada lucha contra fantasmas en forma de tradición milenaria. Un problema al que encima hay que sumarle una serie de disputas culturales contemporáneas compartidas a nivel mundial como la violencia, los problemas de genero, la multiculturalidad, el crecimiento demográfico o el éxodo campo-ciudad.
Dejando a un lado las técnicas comerciales que apuntan al objeto-arte indio como secuela de la locura desatada hace unos años por el arte chino, lo cierto es que la obra de estos cuatro artistas –curiosamente los más internacionales del sistema del arte indio- puede ser considerada desde su ironía y su distancia como una narración significativa de la problemática de la India. No obstante, los bidones de alquitrán, los excrementos de vaca o las fotografías de jerarcas eclesiásticos dispuestos en las diferentes salas de La Casa Encendida constituyen, desde lenguajes dispares y posiciones a veces encontradas, signos que desvelan una problemática común a todas las culturas: cómo conjugar pasado y futuro, urbanismo y religión, democracia y exclusión.
Por otra parte, la muestra cierra su circulo cultural con cuatro videos realizados en la India por Luisa Ortinez. Cuatro piezas documentales fechadas entre 2006 y 2008 sobre cada uno de los artistas participantes, que a modo de work in progess nos transportan a una realidad cotidiana, donde somos testigos de su forma de trabajar gracias a una narración que se remata por medio de las conversaciones de la comisaria con los autores. Además, de manera simultanea a la muestra, La Casa Encendida proyectará en su auditorio una programación de ciclos monográficos autores y temas de videoarte que recogen una serie de propuestas más significativas de la producción contemporánea de la India.
En resumen, una exposición y una serie de actividades que no sólo buscan situar a la India en el mapa del sistema del arte, sino que, a expensas de lo que nos ofrezca ARCO, pretenden construir lazos culturales sólidos con una región todavía salpicada en nuestra mirada por brumas míticas: visiones liquidas como las que un día hicieron huir a los Beatles a la India en busca de una inspiración y una inocencia perdida.
Algo queda todavía de aquella India. Sin embargo, a día de hoy resulta imposible pensar en la India como un país arcano. Los medios de comunicación han acabado con la inocencia de la tradición romántica del viajero occidental ensimismado. Actualmente, de cara a realizar un retrato que se quiera profundo -a través del arte- de la situación de la India contemporánea es necesario enfrentarse a su compleja realidad con herramientas útiles, metodologías que esquiven tópicos heredados y huyan del relato colonial como referente.
Y precisamente eso es lo que busca Reflejos de la India, una exposición que se podrá ver en La Casa Encendida hasta el 4 de enero de 2009. Fruto de un trabajo campo de más de dos años realizado por la comisaria Luisa Ortinez -visitando estudios de artistas y sumergiéndose en la realidad cotidiana del país-, la exposición, gracias a la presentación del trabajo heterogéneo de cuatro artistas indios, configura un plano general rico en detalles que prepara a los espectadores españoles para el gran desembarco indio que supondrá ARC0 09.
Sheela Gowda (Bhadravati, 1957), Amar Kanwar (Delhi, 1964), N S Harsha (Mysore, 1969), Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977), son los nombres elegidos para representar por medio de instalaciones, videos, pinturas y fotografías, la actualidad de una sociedad efervescente. Un conglomerado de culturas enfrentadas a diario con poderosas contradicciones nacidas de un crecimiento económico hipertrófico, que pronto hará de la India una de las potencias hegemónicas del siglo XXI. En la obra de estos artistas palpita la complejidad de una sociedad que, con un pie en el futuro, mantiene una encarnizada lucha contra fantasmas en forma de tradición milenaria. Un problema al que encima hay que sumarle una serie de disputas culturales contemporáneas compartidas a nivel mundial como la violencia, los problemas de genero, la multiculturalidad, el crecimiento demográfico o el éxodo campo-ciudad.
Dejando a un lado las técnicas comerciales que apuntan al objeto-arte indio como secuela de la locura desatada hace unos años por el arte chino, lo cierto es que la obra de estos cuatro artistas –curiosamente los más internacionales del sistema del arte indio- puede ser considerada desde su ironía y su distancia como una narración significativa de la problemática de la India. No obstante, los bidones de alquitrán, los excrementos de vaca o las fotografías de jerarcas eclesiásticos dispuestos en las diferentes salas de La Casa Encendida constituyen, desde lenguajes dispares y posiciones a veces encontradas, signos que desvelan una problemática común a todas las culturas: cómo conjugar pasado y futuro, urbanismo y religión, democracia y exclusión.
Por otra parte, la muestra cierra su circulo cultural con cuatro videos realizados en la India por Luisa Ortinez. Cuatro piezas documentales fechadas entre 2006 y 2008 sobre cada uno de los artistas participantes, que a modo de work in progess nos transportan a una realidad cotidiana, donde somos testigos de su forma de trabajar gracias a una narración que se remata por medio de las conversaciones de la comisaria con los autores. Además, de manera simultanea a la muestra, La Casa Encendida proyectará en su auditorio una programación de ciclos monográficos autores y temas de videoarte que recogen una serie de propuestas más significativas de la producción contemporánea de la India.
En resumen, una exposición y una serie de actividades que no sólo buscan situar a la India en el mapa del sistema del arte, sino que, a expensas de lo que nos ofrezca ARCO, pretenden construir lazos culturales sólidos con una región todavía salpicada en nuestra mirada por brumas míticas: visiones liquidas como las que un día hicieron huir a los Beatles a la India en busca de una inspiración y una inocencia perdida.
REFLEJOS DE LA INDIA CONTEMPORÁNEA por Ana Yunuén Sariego
La exposición Reflejos de la India contemporánea inaugurada el 21 de octubre en La Casa Encendida muestra la obra de cuatro artistas de la India y presenta una pequeña selección de sus obras. Ya el título de esta muestra indica que ante el distanciamiento no sólo físico y cultural que existe entre países como España e India lo que nos brinda esta exhibición es un acercamiento, que no deja de ser un simple reflejo, sobre el arte y su contexto en India.
Esta exposición busca abrir un espacio de diálogo entre el espectador y el artista, provenientes de entornos diversos y cambiantes. Enfoca desde una perspectiva contemporánea la situación de la India desde donde se dan las obras expuestas. Esta exhibición puede ocasionar en el público un derrumbamiento de estereotipos y prejuicios acerca de la cultura india: se tocan temas como la multiplicidad de religiones que existen en la India, aspecto que se ve en algunos de los trabajos, la diversidad de modos de vida y costumbres, la integración de la tradición en el mundo de la mercancía, es decir, preocupaciones propias de este tiempo que no son exclusivas de un lugar determinado.
Esta muestra recorre temas y medios muy diversos: el maltrato a las mujeres en la frontera entre India y Pakistán en la obra The Lightning testimonies (2007) de Amar Kanwar (Delhi, 1964), sitúa al espectador en el centro de una sala y en medio también de la pregunta sobre el por qué de este tipo de injusticias, la obra consta de ocho pantallas que proyectan imágenes y videos, testimonios del conflicto. En la obra de Sheela Gowda (Bhadravati, 1957) se expresa desde la pintura el dolor ante la violencia de los conflictos socio-políticos en India (2/7 Agnepath, 2006). La artista se caracteriza por utilizar materiales de uso cotidiano como planchas de metal de barriles de alquitrán en la instalación Chimera (2004). Trabajos como Nausea-Creators to Supermarket Shelf (2008) de N.S. Harsha (Mysore, 1969), pintura de gran tamaño de figuras en miniatura, son una crítica del sistema económico y político de su país. Otras obras como Well Basically this is About Thomas Jacob (2003), serie de 500 diapositivas de Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977), detallan aspectos íntimos de la vida cotidiana y de la sociedad india que dejan entrever la hibridación cultural y la falta de algo como una “pureza” en la cultura india y la complejidad y heterogeneidad de ésta. Esta exposición une a los artistas en una reflexión desde el hoy hacia la historia y la tradición a través de los distintos medios utilizados.
La exposición, instalada de manera algo laberíntica, recorre temáticas generales de la realidad actual en la India pero mantiene siempre una diferenciación entre cada uno de los artistas. La curadora de la exposición Luisa Ortínez trabajó durante dos años con los exponentes y realizó documentales en donde éstos detallan su trabajo. De esa forma nos recuerdan las peculiaridades de sus obras, aspecto que evita el simple encasillamiento de los autores en un estilo o temática. Si bien las obras de estos autores se dan en el entorno de un mismo país, cada uno tiene una realidad particular, lo cual hace tan diversas sus manifestaciones artísticas. Mientras que Amar Kanwar utiliza medios como el video, Sheela Gowda recurre a la pintura y a las instalaciones, Anup Mathew Thomas muestra series de diapositivas y fotografías tocando temas como la práctica de la religión católica en la India, y N.S. Harsha realiza pinturas que recuerdan al cómic por sus formas, y que con figuras aparentemente inocentes nos muestran imágenes sumamente crudas.
La exposición va más allá de el consabido crecimiento económico de la India en los últimos años y su posicionamiento como una de las potencias económicas mundiales, nos indica la complejidad enorme que existe en una cultura en donde se mezclan pasado y presente, tradición y tecnología, Oriente y Occidente. Muy poco se puede decir de una realidad tan compleja y sincrética en una sola exposición y más si es tan pequeña y es vista desde nuestra perspectiva occidental, pero ésta incita al espectador a cuestionarse acerca de la historia y la situación actual de la India, la manifestación de ésta en el arte y sobre tópicos como la identidad cultural, la migración, la violencia y la guerra, el género, la modernización. Por ello más que una explicación, esta exhibición se podría plantear como la apertura hacia una serie de interrogantes acerca ese país.
Esta exposición busca abrir un espacio de diálogo entre el espectador y el artista, provenientes de entornos diversos y cambiantes. Enfoca desde una perspectiva contemporánea la situación de la India desde donde se dan las obras expuestas. Esta exhibición puede ocasionar en el público un derrumbamiento de estereotipos y prejuicios acerca de la cultura india: se tocan temas como la multiplicidad de religiones que existen en la India, aspecto que se ve en algunos de los trabajos, la diversidad de modos de vida y costumbres, la integración de la tradición en el mundo de la mercancía, es decir, preocupaciones propias de este tiempo que no son exclusivas de un lugar determinado.
Esta muestra recorre temas y medios muy diversos: el maltrato a las mujeres en la frontera entre India y Pakistán en la obra The Lightning testimonies (2007) de Amar Kanwar (Delhi, 1964), sitúa al espectador en el centro de una sala y en medio también de la pregunta sobre el por qué de este tipo de injusticias, la obra consta de ocho pantallas que proyectan imágenes y videos, testimonios del conflicto. En la obra de Sheela Gowda (Bhadravati, 1957) se expresa desde la pintura el dolor ante la violencia de los conflictos socio-políticos en India (2/7 Agnepath, 2006). La artista se caracteriza por utilizar materiales de uso cotidiano como planchas de metal de barriles de alquitrán en la instalación Chimera (2004). Trabajos como Nausea-Creators to Supermarket Shelf (2008) de N.S. Harsha (Mysore, 1969), pintura de gran tamaño de figuras en miniatura, son una crítica del sistema económico y político de su país. Otras obras como Well Basically this is About Thomas Jacob (2003), serie de 500 diapositivas de Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977), detallan aspectos íntimos de la vida cotidiana y de la sociedad india que dejan entrever la hibridación cultural y la falta de algo como una “pureza” en la cultura india y la complejidad y heterogeneidad de ésta. Esta exposición une a los artistas en una reflexión desde el hoy hacia la historia y la tradición a través de los distintos medios utilizados.
La exposición, instalada de manera algo laberíntica, recorre temáticas generales de la realidad actual en la India pero mantiene siempre una diferenciación entre cada uno de los artistas. La curadora de la exposición Luisa Ortínez trabajó durante dos años con los exponentes y realizó documentales en donde éstos detallan su trabajo. De esa forma nos recuerdan las peculiaridades de sus obras, aspecto que evita el simple encasillamiento de los autores en un estilo o temática. Si bien las obras de estos autores se dan en el entorno de un mismo país, cada uno tiene una realidad particular, lo cual hace tan diversas sus manifestaciones artísticas. Mientras que Amar Kanwar utiliza medios como el video, Sheela Gowda recurre a la pintura y a las instalaciones, Anup Mathew Thomas muestra series de diapositivas y fotografías tocando temas como la práctica de la religión católica en la India, y N.S. Harsha realiza pinturas que recuerdan al cómic por sus formas, y que con figuras aparentemente inocentes nos muestran imágenes sumamente crudas.
La exposición va más allá de el consabido crecimiento económico de la India en los últimos años y su posicionamiento como una de las potencias económicas mundiales, nos indica la complejidad enorme que existe en una cultura en donde se mezclan pasado y presente, tradición y tecnología, Oriente y Occidente. Muy poco se puede decir de una realidad tan compleja y sincrética en una sola exposición y más si es tan pequeña y es vista desde nuestra perspectiva occidental, pero ésta incita al espectador a cuestionarse acerca de la historia y la situación actual de la India, la manifestación de ésta en el arte y sobre tópicos como la identidad cultural, la migración, la violencia y la guerra, el género, la modernización. Por ello más que una explicación, esta exhibición se podría plantear como la apertura hacia una serie de interrogantes acerca ese país.
¿PRETENDIDA INCONSISTENCIA? por Luis M. Ruiz
Reflejos de la India contemporánea
Comisaria: Luisa Ortínez
La Casa Encendida, Ronda de Valencia, 2
21 de octubre- 4 de enero de 2009
No están, como es obvio, todos los que son, pero aunque sí sean todos los que están uno no puede dejar de sentir la sensación de que, no sólo se ha dejado mucho por el camino, sino que lo que hay tampoco llega a colmar las esperanzas del bienintencionado espectador. Es realmente imposible pretender compactar la realidad de la India, un país lleno de complejidades sociales, culturales y religiosas, en una muestra por ambiciosa que sea. En eso estamos de acuerdo. Pero los problemas que nos encontramos en La Casa Encendida son de otro tipo. En primer lugar hay cierta laxitud en el planteamiento conceptual. Nada más allá del hecho de que los artistas sean indios parece interconectar las obras expuestas. Se echa de menos, por lo tanto, un argumento que articule las obras más allá de su nacionalidad. Un proyecto curatorial más consistente. Hay guiños hacia cuestiones de carácter social pero todo queda enfangado en una excesiva generalidad. El título de la propia muestra es un claro reflejo de ello (y espero que mis pacientes lectores disculpen el juego de palabras fácil). Se nos pretende mostrar, como nos dice Carmen Contreras, directora gerente de la Obra Social Caja Madrid en la presentación del catálogo, los reflejos de una India contemporánea que aúne pasado y presente; tradición y modernidad; así como las diferentes comunidades, religiones y manifestaciones sociales y artísticas. ¿No es, tal vez, un objetivo muy ambicioso para un planteamiento tan exiguo? ¿No es algo que se debería haber mostrado desde una óptica concreta y no a través de una difusa generalización? ¿O acaso no se ha querido ir más allá para no pringarse las manos de barro?
Es indudable que, a pesar de lo dicho, hay obras que logran sobrevivir al naufragio. Destacables son, al respecto, las obras tanto de la escultora Sheela Gowda como las del cineasta Amar Kanwar. En el trabajo de la artista india tiene una gran importancia la elección de materiales para sus obras; cosa que es patente cuando nos enfrentamos a dos de ellas: las esculturas A Blanket in the Sky, cuya estructura está concebida a partir de planchas de metal procedentes de barriles de alquitrán, y Chimera, que es un barril de alquitrán mismo. La artista insistió mucho en realizar todo el proceso de elaboración hasta recuperar su forma original ya que no quería contar con objetos vacíos y sin pasado sino con materias que tuviesen una historia susceptible de ser continuada por su obra. De Sheela Gowda también se puede destacar el díptico 2/7, Agneepath, donde realidad, ficción y violencia se entrecruzan de manera inextricable. Pero, sin duda, la obra que tiene mayor interés es la video-instalación The Lightning Testimonies del artista Amar Kanwar, quien nos sorprende con una obra de gran carga poética. El visitante pasa de la asepsia propia del “cubo blanco” de la galería a la oscuridad de una pequeña sala en cuyos muros cuelgan ocho lienzos sobre los que se proyectan las imágenes que, sin solución de continuidad, van envolviendo al espectador (y precisamente en lienzos, interesante reflexión sobre la función de éstos en el mundo del arte actual). Tanto la estética, que es de una sobrecogedora textura cromática, como el ritmo con el que fluyen las historias hacen que el espectador se vea sensualmente atrapado. Los desgarradores testimonios que se proyectan nos cuentan, entre otras cosas, el precio que tienen que pagar las mujeres que habitan las regiones fronterizas indo-pakistaníes por el mero hecho de profesar una determinada religión o pertenecer a una determinada cultura en el momento y el lugar inapropiados. Dentro de la muestra también podemos ver los trabajos de dos artistas más, los del pintor N.S. Harsha, que presenta dos acrílicos sobre tela; y los del fotógrafo Anup Mathew Thomas, que nos muestra tanto unas prescindibles e insustanciales proyecciones, como una serie fotográfica de esperpéntica factura.
Por lo tanto, nos enfrentamos a una muestra muy irregular en el planteamiento y muy superficial en el resultado; que nace con el pecado original de la indefinición. No sabemos hasta qué punto esa carencia de sustancia que impregna toda la muestra es achacable al proyecto realizado por la curadora Luisa Ortínez o por las restricciones impuestas por la miopía de la institución. La principal sensación que a uno le queda cuando enfila ya la Ronda de Valencia es, recordando al célebre personaje de Cervantes, que con la banca hemos topado.
Comisaria: Luisa Ortínez
La Casa Encendida, Ronda de Valencia, 2
21 de octubre- 4 de enero de 2009
No están, como es obvio, todos los que son, pero aunque sí sean todos los que están uno no puede dejar de sentir la sensación de que, no sólo se ha dejado mucho por el camino, sino que lo que hay tampoco llega a colmar las esperanzas del bienintencionado espectador. Es realmente imposible pretender compactar la realidad de la India, un país lleno de complejidades sociales, culturales y religiosas, en una muestra por ambiciosa que sea. En eso estamos de acuerdo. Pero los problemas que nos encontramos en La Casa Encendida son de otro tipo. En primer lugar hay cierta laxitud en el planteamiento conceptual. Nada más allá del hecho de que los artistas sean indios parece interconectar las obras expuestas. Se echa de menos, por lo tanto, un argumento que articule las obras más allá de su nacionalidad. Un proyecto curatorial más consistente. Hay guiños hacia cuestiones de carácter social pero todo queda enfangado en una excesiva generalidad. El título de la propia muestra es un claro reflejo de ello (y espero que mis pacientes lectores disculpen el juego de palabras fácil). Se nos pretende mostrar, como nos dice Carmen Contreras, directora gerente de la Obra Social Caja Madrid en la presentación del catálogo, los reflejos de una India contemporánea que aúne pasado y presente; tradición y modernidad; así como las diferentes comunidades, religiones y manifestaciones sociales y artísticas. ¿No es, tal vez, un objetivo muy ambicioso para un planteamiento tan exiguo? ¿No es algo que se debería haber mostrado desde una óptica concreta y no a través de una difusa generalización? ¿O acaso no se ha querido ir más allá para no pringarse las manos de barro?
Es indudable que, a pesar de lo dicho, hay obras que logran sobrevivir al naufragio. Destacables son, al respecto, las obras tanto de la escultora Sheela Gowda como las del cineasta Amar Kanwar. En el trabajo de la artista india tiene una gran importancia la elección de materiales para sus obras; cosa que es patente cuando nos enfrentamos a dos de ellas: las esculturas A Blanket in the Sky, cuya estructura está concebida a partir de planchas de metal procedentes de barriles de alquitrán, y Chimera, que es un barril de alquitrán mismo. La artista insistió mucho en realizar todo el proceso de elaboración hasta recuperar su forma original ya que no quería contar con objetos vacíos y sin pasado sino con materias que tuviesen una historia susceptible de ser continuada por su obra. De Sheela Gowda también se puede destacar el díptico 2/7, Agneepath, donde realidad, ficción y violencia se entrecruzan de manera inextricable. Pero, sin duda, la obra que tiene mayor interés es la video-instalación The Lightning Testimonies del artista Amar Kanwar, quien nos sorprende con una obra de gran carga poética. El visitante pasa de la asepsia propia del “cubo blanco” de la galería a la oscuridad de una pequeña sala en cuyos muros cuelgan ocho lienzos sobre los que se proyectan las imágenes que, sin solución de continuidad, van envolviendo al espectador (y precisamente en lienzos, interesante reflexión sobre la función de éstos en el mundo del arte actual). Tanto la estética, que es de una sobrecogedora textura cromática, como el ritmo con el que fluyen las historias hacen que el espectador se vea sensualmente atrapado. Los desgarradores testimonios que se proyectan nos cuentan, entre otras cosas, el precio que tienen que pagar las mujeres que habitan las regiones fronterizas indo-pakistaníes por el mero hecho de profesar una determinada religión o pertenecer a una determinada cultura en el momento y el lugar inapropiados. Dentro de la muestra también podemos ver los trabajos de dos artistas más, los del pintor N.S. Harsha, que presenta dos acrílicos sobre tela; y los del fotógrafo Anup Mathew Thomas, que nos muestra tanto unas prescindibles e insustanciales proyecciones, como una serie fotográfica de esperpéntica factura.
Por lo tanto, nos enfrentamos a una muestra muy irregular en el planteamiento y muy superficial en el resultado; que nace con el pecado original de la indefinición. No sabemos hasta qué punto esa carencia de sustancia que impregna toda la muestra es achacable al proyecto realizado por la curadora Luisa Ortínez o por las restricciones impuestas por la miopía de la institución. La principal sensación que a uno le queda cuando enfila ya la Ronda de Valencia es, recordando al célebre personaje de Cervantes, que con la banca hemos topado.
ACERCANDO REALIDADES por Nuria Rivero
REFLEJOS DE LA INDIA CONTEMPORÁNEA. Comisaria: Luisa Ortínez.
La casa encendida. Ronda de Valencia, 2. Madrid. Hasta el 4 de enero.
Hace una semana era noticia la reunión en Nueva Delhi de la Tribuna España-India, un foro de acercamiento entre los dos países. En paralelo, se celebra desde Casa Asia el Año de la India, lo que ha fomentado en 2008 diversas actividades en España, desde ciclos de cine a conciertos, y exposiciones como la dedicada al fotógrafo Raghu Rai o India Moderna: Arte y cultura en el Subcontinente indio (1947-2007), que aterrizará en el IVAM a finales de año, coincidiendo en 2009 con la presencia de India como país invitado en ARCO.
El interés y atracción por la India en la sociedad española es bastante reciente, dado que, históricamente no han existido fuertes lazos entre ambos países. No obstante, el conocimiento de este gigante asiático está aún plagado de tópicos y prejuicios. Numerosas instituciones buscan aportar una mirada distinta, que presente la gran riqueza del país, así como su tremenda complejidad, completando la tarea que emprendieron ya hace años intelectuales como el escritor y editor Agustín Pániker.
En este contexto, se acaba de inaugurar en La Casa Encendida la muestra Reflejos de la India Contemporánea, cuya coincidencia con las celebraciones de este año es, en palabras de la comisaria, Luisa Ortínez, meramente casual. Continúa así la política de la Casa Encendida de presentar el arte de vanguardia de todos los continentes, como ya hizo con Latinoamérica (Entre líneas, 2003) y África (De ida y vuelta, 2006).
El proyecto es fruto del trabajo de campo de Ortínez en la India durante varios años, en los cuales ha analizado el panorama artístico indio, seleccionando a cuatro artistas, con los que ha mantenido una serie de entrevistas -proyectadas en una de las salas- que complementan la exposición, mostrando el contexto de la producción de cada uno de ellos.
Los elegidos, procedentes de diferentes zonas del país, además de por su calidad artística destacan, según la comisaria, porque abordan las problemáticas de su entorno más próximo, plasmando retazos de la variada escena artística y cultural de la India. Sheela Gowda (Bhadravati, 1957), Amar Kanwar (Delhi, 1964), N S Harsha (Mysore, 1969) y Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977), protagonizan la exposición, con estilos diversos y cultivando pintura, escultura, video instalación y fotografía.
Todos ellos son creadores que han alcanzado ya el reconocimiento en el mundo artístico a nivel nacional e internacional, han pasado temporadas formándose en el extranjero y han viajado mucho por su país. No obstante, si bien es cierto que reflejan temáticas de la India actual en sus trabajos, la relación con sus raíces más cercanas que argumenta esta pequeña muestra es poco evidente, e incluso discutible en algunas obras y artistas.
En el caso de N S Harsha (Artes Mundi Prize 2008), su pintura con toques de ilustrador infantil Nausea-creators den to Supermarket Shelf, remite al tiempo a la complejidad del mundo globalizado y a la cultura india en general, con el dios Brahma inmóvil rodeado de miembros mutilados, vómitos y hombres trajeados. Él mismo indica que en sus viajes recolecta identidades, tanto locales como globales que plasma en sus inquietantes obras de contenido social y político.
Lo mismo ocurre con el cineasta independiente Amar Kanwar y The lightning testimonies, encargo para la documenta 12. Esta video instalación sigue la línea documental de corte poético de otros de sus trabajos, en los que presenta un archivo visual de historias, en este caso de mujeres de todo el país víctimas desde 1947 del conflicto entre India y Pakistán, como reflejaría también en 2003 la cineasta pakistaní Sabiha Sumar en El silencio del agua.
Los dos artistas enraizados de manera más clara son el fotógrafo documental Anup Mathew Thomas y Sheela Gowda; el primero a través de Metropolitan, la serie de retratos de obispos de Kerala, (aunque reconozca que a su vuelta se sentía un outsider en su tierra), y Gowda, tanto por los materiales, (planchas de bidones de alquitrán) como por la temática de obras como A blanket and the sky.
Se compartan o no los criterios de selección, lo cierto es que la exposición presenta en España a algunas figuras relevantes del arte hindú del XXI, en constante auge tanto dentro como fuera de India: galerías y centros de arte en Bombay, Nueva Delhi o Bangalore, un importante grupo de coleccionistas y al menos una docena de creadores indios entre los 500 más cotizados del mundo, con el escultor Anish Kapoor a la cabeza.
La casa encendida. Ronda de Valencia, 2. Madrid. Hasta el 4 de enero.
Hace una semana era noticia la reunión en Nueva Delhi de la Tribuna España-India, un foro de acercamiento entre los dos países. En paralelo, se celebra desde Casa Asia el Año de la India, lo que ha fomentado en 2008 diversas actividades en España, desde ciclos de cine a conciertos, y exposiciones como la dedicada al fotógrafo Raghu Rai o India Moderna: Arte y cultura en el Subcontinente indio (1947-2007), que aterrizará en el IVAM a finales de año, coincidiendo en 2009 con la presencia de India como país invitado en ARCO.
El interés y atracción por la India en la sociedad española es bastante reciente, dado que, históricamente no han existido fuertes lazos entre ambos países. No obstante, el conocimiento de este gigante asiático está aún plagado de tópicos y prejuicios. Numerosas instituciones buscan aportar una mirada distinta, que presente la gran riqueza del país, así como su tremenda complejidad, completando la tarea que emprendieron ya hace años intelectuales como el escritor y editor Agustín Pániker.
En este contexto, se acaba de inaugurar en La Casa Encendida la muestra Reflejos de la India Contemporánea, cuya coincidencia con las celebraciones de este año es, en palabras de la comisaria, Luisa Ortínez, meramente casual. Continúa así la política de la Casa Encendida de presentar el arte de vanguardia de todos los continentes, como ya hizo con Latinoamérica (Entre líneas, 2003) y África (De ida y vuelta, 2006).
El proyecto es fruto del trabajo de campo de Ortínez en la India durante varios años, en los cuales ha analizado el panorama artístico indio, seleccionando a cuatro artistas, con los que ha mantenido una serie de entrevistas -proyectadas en una de las salas- que complementan la exposición, mostrando el contexto de la producción de cada uno de ellos.
Los elegidos, procedentes de diferentes zonas del país, además de por su calidad artística destacan, según la comisaria, porque abordan las problemáticas de su entorno más próximo, plasmando retazos de la variada escena artística y cultural de la India. Sheela Gowda (Bhadravati, 1957), Amar Kanwar (Delhi, 1964), N S Harsha (Mysore, 1969) y Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977), protagonizan la exposición, con estilos diversos y cultivando pintura, escultura, video instalación y fotografía.
Todos ellos son creadores que han alcanzado ya el reconocimiento en el mundo artístico a nivel nacional e internacional, han pasado temporadas formándose en el extranjero y han viajado mucho por su país. No obstante, si bien es cierto que reflejan temáticas de la India actual en sus trabajos, la relación con sus raíces más cercanas que argumenta esta pequeña muestra es poco evidente, e incluso discutible en algunas obras y artistas.
En el caso de N S Harsha (Artes Mundi Prize 2008), su pintura con toques de ilustrador infantil Nausea-creators den to Supermarket Shelf, remite al tiempo a la complejidad del mundo globalizado y a la cultura india en general, con el dios Brahma inmóvil rodeado de miembros mutilados, vómitos y hombres trajeados. Él mismo indica que en sus viajes recolecta identidades, tanto locales como globales que plasma en sus inquietantes obras de contenido social y político.
Lo mismo ocurre con el cineasta independiente Amar Kanwar y The lightning testimonies, encargo para la documenta 12. Esta video instalación sigue la línea documental de corte poético de otros de sus trabajos, en los que presenta un archivo visual de historias, en este caso de mujeres de todo el país víctimas desde 1947 del conflicto entre India y Pakistán, como reflejaría también en 2003 la cineasta pakistaní Sabiha Sumar en El silencio del agua.
Los dos artistas enraizados de manera más clara son el fotógrafo documental Anup Mathew Thomas y Sheela Gowda; el primero a través de Metropolitan, la serie de retratos de obispos de Kerala, (aunque reconozca que a su vuelta se sentía un outsider en su tierra), y Gowda, tanto por los materiales, (planchas de bidones de alquitrán) como por la temática de obras como A blanket and the sky.
Se compartan o no los criterios de selección, lo cierto es que la exposición presenta en España a algunas figuras relevantes del arte hindú del XXI, en constante auge tanto dentro como fuera de India: galerías y centros de arte en Bombay, Nueva Delhi o Bangalore, un importante grupo de coleccionistas y al menos una docena de creadores indios entre los 500 más cotizados del mundo, con el escultor Anish Kapoor a la cabeza.
¿REPRESENTANDO A INDIA? por Julia Ramírez
Reflejos de la India Contemporánea
La Casa Encendida, Madrid
21 de Octubre del 2008 al 4 de Enero del 2009
La Casa Encendida nos ofrece estos días un aperitivo a lo que será un enorme banquete cultural de muestras sobre India. Y es que no es otro el país invitado por ARCO en este año 2009. José Guirao, director del centro cultural, afirma que Reflejos de la India Contemporánea fue programada antes de conocer la elección de la feria. En cualquier caso, su muestra tiene el valor de ser la primera, y, con agradable sorpresa comprobamos que abre el apetito con rigor intelectual. Y sin ese exotismo pintoresco descendiente del siglo XIX que aún hoy podemos ver muchas veces en los museos, disfrazado de arte multicultural. Luisa Ortínez, comisaria de la exposición, nos presenta sólo a cuatro artistas, abarcando en su obra diferentes medios y temáticas.
Comparten la primera sala N. S. Harsha y Anup Mathew Thomas. Llaman la atención los minuciosos cuadros del primero, realizados en lo que él llama un lenguaje de la “ligereza”, sintético y sencillo. Multitud de figuras conviven en un mismo lienzo, ordenadas bajo un mismo esquema, pero con actitudes individuales que parecen variar hasta el infinito, formando un mosaico casi existencial. En las hermosas fotografías de Thomas detectamos su origen en el fotoperiodismo.
Ello es sintomático del fuerte compromiso de estos artistas con respecto a la realidad, seña de identidad en las exhibiciones organizadas por Ortínez. Si N.S. Harsha dirá que para él el lugar donde hacer política es su estudio, la artista Sheela Gowda saldrá de él buscando materiales cotidianos, sin valor. Al hacerlo, se encontrará con las huellas de diferentes trayectorias humanas, que teñirán su obra de un fuerte contenido social. Un ejemplo es la maravillosa escultura A Blanket and the Sky, llena de lirismo, que fue fabricada con el metal aplastado procedente de bidones de alquitrán que los empleados de la construcción utilizan para construir sus viviendas. Para Gowda, la tragedia no excluye necesariamente la belleza, y si en esta especie de chabola vemos una crítica a la pobreza, hay también una exaltación de la belleza del cielo, que puede contemplarse libremente en la vida al raso.
Este encuentro paradójico se da también en The Lightning Testimonies, del cineasta Amar Kanwar, para el que el arte es una respuesta a la indignación que le produce la violencia, y un medio para comprenderla. Su compleja obra de video-arte que culmina la exposición, es quizás la más impactante. En ella, a través de ocho distintas pantallas se narran historias ocultas de violencia sexual, sucedida en la frontera entre la India y Pakistan. Contrasta la poesía de las imágenes y la crudeza de la narración, que culmina con una exaltación de la dignidad de la mujer, en la que confluyen todas las pantallas.
Las pequeñas dimensiones de la exposición, en las que cada artista está muy brevemente representado, dejan muchas cosas por decir. Intentando quizás paliar esta deficiencia, Ortínez, que fue pionera del video en la España de los 70, ha rodado cuatro excelentes documentales, donde a través de una entrevista a cada uno de los creadores se nos da una idea del contexto cultural en que se mueven, su proceso creativo y, sobre todo, su universo artístico. Numerosas piezas que no han sido expuestas son aquí retratadas, contextualizando las obras vistas físicamente. Este intento de ampliar lo que se visto en las salas se complementa además con un taller dirigido por Sheela Gowda y sendos ciclos de videoarte y cine indios.
La exposición quedaría así como una presentación de cuatro buenos artistas. Pero el título, que hace referencia a la representación de un país que es casi un continente estropea algunas cosas. Gowda, acertadamente, declara que si “puede agitar conceptos preconcebidos y tal vez despertar la curiosidad en los visitantes para que busquen más allá de las obras expuestas” sin embargo “no se puede considerar un reflejo del arte indio”. Desde luego, se exponen pocos artistas para pretender una visión total. Sin embargo, aunque éstos fuesen numerosos, volver a creer en las escuelas nacionales no parece tener sentido en nuestro tiempo. Ni Gowda, ni Kanwar, ni Harsha, ni Mathew Thomas pretenden personificar a su país. Un título más concreto, aunque menos espectacular para agrupar sus obras, sería más riguroso. Y evitaría la sutil sustitución jerárquica del discurso de la disidencia, algo común a todos estos creadores, por la más inofensiva dialéctica de la diferencia cultural.
La Casa Encendida, Madrid
21 de Octubre del 2008 al 4 de Enero del 2009
La Casa Encendida nos ofrece estos días un aperitivo a lo que será un enorme banquete cultural de muestras sobre India. Y es que no es otro el país invitado por ARCO en este año 2009. José Guirao, director del centro cultural, afirma que Reflejos de la India Contemporánea fue programada antes de conocer la elección de la feria. En cualquier caso, su muestra tiene el valor de ser la primera, y, con agradable sorpresa comprobamos que abre el apetito con rigor intelectual. Y sin ese exotismo pintoresco descendiente del siglo XIX que aún hoy podemos ver muchas veces en los museos, disfrazado de arte multicultural. Luisa Ortínez, comisaria de la exposición, nos presenta sólo a cuatro artistas, abarcando en su obra diferentes medios y temáticas.
Comparten la primera sala N. S. Harsha y Anup Mathew Thomas. Llaman la atención los minuciosos cuadros del primero, realizados en lo que él llama un lenguaje de la “ligereza”, sintético y sencillo. Multitud de figuras conviven en un mismo lienzo, ordenadas bajo un mismo esquema, pero con actitudes individuales que parecen variar hasta el infinito, formando un mosaico casi existencial. En las hermosas fotografías de Thomas detectamos su origen en el fotoperiodismo.
Ello es sintomático del fuerte compromiso de estos artistas con respecto a la realidad, seña de identidad en las exhibiciones organizadas por Ortínez. Si N.S. Harsha dirá que para él el lugar donde hacer política es su estudio, la artista Sheela Gowda saldrá de él buscando materiales cotidianos, sin valor. Al hacerlo, se encontrará con las huellas de diferentes trayectorias humanas, que teñirán su obra de un fuerte contenido social. Un ejemplo es la maravillosa escultura A Blanket and the Sky, llena de lirismo, que fue fabricada con el metal aplastado procedente de bidones de alquitrán que los empleados de la construcción utilizan para construir sus viviendas. Para Gowda, la tragedia no excluye necesariamente la belleza, y si en esta especie de chabola vemos una crítica a la pobreza, hay también una exaltación de la belleza del cielo, que puede contemplarse libremente en la vida al raso.
Este encuentro paradójico se da también en The Lightning Testimonies, del cineasta Amar Kanwar, para el que el arte es una respuesta a la indignación que le produce la violencia, y un medio para comprenderla. Su compleja obra de video-arte que culmina la exposición, es quizás la más impactante. En ella, a través de ocho distintas pantallas se narran historias ocultas de violencia sexual, sucedida en la frontera entre la India y Pakistan. Contrasta la poesía de las imágenes y la crudeza de la narración, que culmina con una exaltación de la dignidad de la mujer, en la que confluyen todas las pantallas.
Las pequeñas dimensiones de la exposición, en las que cada artista está muy brevemente representado, dejan muchas cosas por decir. Intentando quizás paliar esta deficiencia, Ortínez, que fue pionera del video en la España de los 70, ha rodado cuatro excelentes documentales, donde a través de una entrevista a cada uno de los creadores se nos da una idea del contexto cultural en que se mueven, su proceso creativo y, sobre todo, su universo artístico. Numerosas piezas que no han sido expuestas son aquí retratadas, contextualizando las obras vistas físicamente. Este intento de ampliar lo que se visto en las salas se complementa además con un taller dirigido por Sheela Gowda y sendos ciclos de videoarte y cine indios.
La exposición quedaría así como una presentación de cuatro buenos artistas. Pero el título, que hace referencia a la representación de un país que es casi un continente estropea algunas cosas. Gowda, acertadamente, declara que si “puede agitar conceptos preconcebidos y tal vez despertar la curiosidad en los visitantes para que busquen más allá de las obras expuestas” sin embargo “no se puede considerar un reflejo del arte indio”. Desde luego, se exponen pocos artistas para pretender una visión total. Sin embargo, aunque éstos fuesen numerosos, volver a creer en las escuelas nacionales no parece tener sentido en nuestro tiempo. Ni Gowda, ni Kanwar, ni Harsha, ni Mathew Thomas pretenden personificar a su país. Un título más concreto, aunque menos espectacular para agrupar sus obras, sería más riguroso. Y evitaría la sutil sustitución jerárquica del discurso de la disidencia, algo común a todos estos creadores, por la más inofensiva dialéctica de la diferencia cultural.
FRICCIÓN EN LA FRONTERA por Beatriz Rebollo
A modo de collage, La Casa Encendida nos presenta la obra de cuatro artistas indios contemporáneos que ejecutan su obra como síntoma ejemplificador de la realidad que les rodea, huyendo en todo caso de los estereotipos estéticos predeterminados de este país milenario. Pero, ¿Podremos asimilar desde Occidente una visión tan compleja de la escena cultural y política de la India, una vez han sido desechados los clichés construidos hasta el momento por nosotros mismos como se pretende?
“Reflejos de la India Contemporánea”, es un claro ejemplo de esta lucha por mostrar “el más allá”. Escapando del exotismo y el formalismo, el fenómeno del arte contemporáneo indio intenta desde hace algún tiempo rescribirse en la historia, una labor compleja en el campo del arte como ya apuntaron entre otros la teórica Rosalind Krauss o el teórico Hal Foster, pero un hecho posible en la actualidad ya que la India cuenta con artistas como los destacados en la muestra: Amar Kanwar (Delhi, 1964), N. S. Harsha (Mysore, 1969), Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977), y Sheela Gowda (Bhadravati, 1957), que intentan a través de su obra artística y por diferentes campos disciplinarios –pintura, fotografía, instalación y video– romper con la imagen de la India que hemos heredado, y mostrar a partir de los principales temas de reflexión, una solución estética brillante a los problemas del mundo actual. Es así como estos cuatro artistas elegidos y futuramente elogiados, aunque procedentes de distintos lugares de la inmensa India, han encontrado en Madrid, un espacio común donde articular sus obras con un mismo fin, que es el de incluir a la India en los lenguajes contemporáneos del arte, pero a través de una mirada íntima y reflexiva.
Este fin es, por tanto, la guía del montaje expositivo. Nos sumergimos en él y es imposible realizar un análisis estético dejando a un lado el objetivo real de los artistas. Para ello, y tanto como un favor al público como al propio artista, la exposición se completa con cuatro documentales que permiten a los propios artistas explicar la gran complejidad de sus obras no sólo a través del medio artístico propio, sino de la palabra. N. S. Harsha, por citar a uno de ellos en primer lugar, nos muestra con un lenguaje contemporáneo las trasformaciones sufridas en su país enraizándolas en la sociedad (Meeting Wit) y se limita a traducir su obra como un producto de su tiempo. Anup Mathew Thomas muestra el mismo interés reflexionando sobre temas familiares, pero expresa su obra a partir del discurso narrativo de documentales (Well, Basically this is about Thomas Jacob) y fotografías (Metropolitan) que son fruto de su vida, su lugar de nacimiento, su familia, sus preocupaciones… Amar Kanwar, aparece en esta muestra con una sola intervención artística pero de gran peso (The Lightning Testimonies), una instalación que busca un lenguaje propio para expresar sus experiencias más traumáticas y que pone punto y seguido a la revolución del arte indio contemporáneo, al igual que pasó tiempo atrás con el arte chino. Y por último la única mirada femenina de esta exposición, Sheela Gowda, en la que no sólo destacan sus intenciones comunes a los otros tres artistas, sino también los materiales que utiliza para ello, elementos de uso cotidiano que guardan múltiples significados en sí mismos.
Por lo tanto esta decena de obras procedentes de la India no podemos considerarlas el comienzo de esa búsqueda de identidad en el mundo artístico contemporáneo actual sino un paso más, pero que ahora sí, gracias a La Casa Encendida podemos participar de manera activa. Pero no todo es un camino llano, ya que es imprescindible eliminar ese ser omnipotente occidental, o de otra manera dicho, esa visión de occidente que manipula al espectador cuando entra en contacto con el mundo oriental en general. Y vuelvo a preguntar, ¿Seremos capaces de no deformar nuestra mirada al mirar a ‘el más allá’? La realidad es que el mundo artístico de la India contemporánea no puede quedar reducido al seguimiento del arte occidental, ya que la realidad es mucho más compleja e incluso capaz de crear espacios de resistencia ante cualquier sometimiento, pero una vez más el destino puede cambiar porque no sólo depende de su labor sino de nuestra reacción. Esta exposición por lo tanto es un pequeño paso de gigante, que se verá reforzada por Arco 2008, el gran escaparate del arte contemporáneo en España, y enriquecido por dicha presencia.
“Reflejos de la India Contemporánea”, es un claro ejemplo de esta lucha por mostrar “el más allá”. Escapando del exotismo y el formalismo, el fenómeno del arte contemporáneo indio intenta desde hace algún tiempo rescribirse en la historia, una labor compleja en el campo del arte como ya apuntaron entre otros la teórica Rosalind Krauss o el teórico Hal Foster, pero un hecho posible en la actualidad ya que la India cuenta con artistas como los destacados en la muestra: Amar Kanwar (Delhi, 1964), N. S. Harsha (Mysore, 1969), Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977), y Sheela Gowda (Bhadravati, 1957), que intentan a través de su obra artística y por diferentes campos disciplinarios –pintura, fotografía, instalación y video– romper con la imagen de la India que hemos heredado, y mostrar a partir de los principales temas de reflexión, una solución estética brillante a los problemas del mundo actual. Es así como estos cuatro artistas elegidos y futuramente elogiados, aunque procedentes de distintos lugares de la inmensa India, han encontrado en Madrid, un espacio común donde articular sus obras con un mismo fin, que es el de incluir a la India en los lenguajes contemporáneos del arte, pero a través de una mirada íntima y reflexiva.
Este fin es, por tanto, la guía del montaje expositivo. Nos sumergimos en él y es imposible realizar un análisis estético dejando a un lado el objetivo real de los artistas. Para ello, y tanto como un favor al público como al propio artista, la exposición se completa con cuatro documentales que permiten a los propios artistas explicar la gran complejidad de sus obras no sólo a través del medio artístico propio, sino de la palabra. N. S. Harsha, por citar a uno de ellos en primer lugar, nos muestra con un lenguaje contemporáneo las trasformaciones sufridas en su país enraizándolas en la sociedad (Meeting Wit) y se limita a traducir su obra como un producto de su tiempo. Anup Mathew Thomas muestra el mismo interés reflexionando sobre temas familiares, pero expresa su obra a partir del discurso narrativo de documentales (Well, Basically this is about Thomas Jacob) y fotografías (Metropolitan) que son fruto de su vida, su lugar de nacimiento, su familia, sus preocupaciones… Amar Kanwar, aparece en esta muestra con una sola intervención artística pero de gran peso (The Lightning Testimonies), una instalación que busca un lenguaje propio para expresar sus experiencias más traumáticas y que pone punto y seguido a la revolución del arte indio contemporáneo, al igual que pasó tiempo atrás con el arte chino. Y por último la única mirada femenina de esta exposición, Sheela Gowda, en la que no sólo destacan sus intenciones comunes a los otros tres artistas, sino también los materiales que utiliza para ello, elementos de uso cotidiano que guardan múltiples significados en sí mismos.
Por lo tanto esta decena de obras procedentes de la India no podemos considerarlas el comienzo de esa búsqueda de identidad en el mundo artístico contemporáneo actual sino un paso más, pero que ahora sí, gracias a La Casa Encendida podemos participar de manera activa. Pero no todo es un camino llano, ya que es imprescindible eliminar ese ser omnipotente occidental, o de otra manera dicho, esa visión de occidente que manipula al espectador cuando entra en contacto con el mundo oriental en general. Y vuelvo a preguntar, ¿Seremos capaces de no deformar nuestra mirada al mirar a ‘el más allá’? La realidad es que el mundo artístico de la India contemporánea no puede quedar reducido al seguimiento del arte occidental, ya que la realidad es mucho más compleja e incluso capaz de crear espacios de resistencia ante cualquier sometimiento, pero una vez más el destino puede cambiar porque no sólo depende de su labor sino de nuestra reacción. Esta exposición por lo tanto es un pequeño paso de gigante, que se verá reforzada por Arco 2008, el gran escaparate del arte contemporáneo en España, y enriquecido por dicha presencia.
ILUSIÓN DE REFLEJO por Libia Pérez
La Casa Encendida expone hasta el 4 de enero “Reflejos de la India Contemporanea”, una reducida muestra de las obras de cuatro artistas que comparten origenes pero no maneras. La propuesta se completa con un ciclo de cine, videoarte y un taller.
Dice Jose Guirao, actual director de La Casa Encendida, que la exposición Reflejos de la India Contemporanea es una muestra más de la lucha contra el etnocentrismo dominante en el arte contemporaneo de occidente. Después de exponer dudosos reflejos latinoamericanos, africanos o chicanos, ahora toca la India que, casualmente, será el país invitado en la futura edición de ARCO 2009. Así, aprovechando antes de tiempo el tirón de la feria, LCE se cubre con un velo de multiculturalidad y pretende, con sólo cuatro artistas, construir un "evocativo collage de la compleja experiencia vital de la sociedad india".
No cabe duda de que la India es un país complejo, casi un continente, etnias, religiones, miradas de todos los colores confluyen en su territorio. Parece obvio, también, que no hay forma coherente de unificar en un solo paradigma la producción cultural de este vasto estado. Los carteles de Bollywood son los ejemplos más populares entre nuestro desconocimiento pero, naturalmente, no es esto lo que interesa al mundo del arte. Los cuatro artistas que ha reunido la comisaria de la exposición Luisa Ortinez, traen otra visión de su tierra, que no es ni pop ni glob, pero tampoco reveladora.
Lo primero que llama la atención de esta muestra es el escaso espacio que ocupa en el sótano del edificio. Poco espacio, pocas obras y pocos artistas para un pretencioso cometido. No obstante estos cuatro representantes de la India merecen un reconocimiento al margen del título de la exposición o la política del centro.
Dos pinturas de N S Harsha (Mysore, 1969) dan una bienvenida llena de color al visitante. Payasos suicidas que sangran por la nariz en Poca Gracia y una dudosa crónica de su tiempo en De los creadores de la nausea a los estantes del supermercado. Harsha ha recibido recientemente el Artes Mundi Price por su trayectoria artística y dice combinar su minuciosidad en la pintura con grandes instalaciones que parece que en esta exposición no tenían cabida. Un reflejo cuanto menos visceral de su país.
Completan la primera sala las fotografías de Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977). Una batería de imágenes desoladoras de salas de baile y clubes nocturnos desiertos proyectada sobre una pared. Documento histórico de una realidad ya caduca. Según cuenta el artista, fotografió estos locales cuando fueron cerrados por el gobierno indio por servir de promoción a la prostitución. Otra muestra de su trabajo es la serie de retratos de catorce obispos diferentes en representación, cada uno de ellos, de su correspondiente facción del cristianismo. Multireligión ataviada con todos sus atributos. La obra de Anup se completa con las 500 fotografías sobre su padre proyectadas en sendas paredes enfrentadas.
La siguiente sala está ocupada por la obra de Sheela Gowda (Bhadravati, 1957) y es quizás la más interesante. Dos acuarelas de gran formato y dos instalaciones. Gowda ha participado de las grandes muestras de arte de occiente, como la Documenta 12 o la Bienal de Lyon, pero asegura que su obra es un puro reflejo de su tierra. Ha sido comentada, quizás demasiado, por usar en su obra escrementos de vaca con intención simbólica. Sin embargo en las tres obras expuestas en LCE no aparece este material. Las dos acuarelas forman una única pieza bajo el título 2/7 Agneepath. Se trata de una fotografía de un periódico y un fotograma de una película que mezclan ficción y realidad en una representación de la violencia. Las instalaciones son mucho más oníricas y evocadoras. Materiales industriales para despertar la esperanza de lo pobre.
Es Gowda, de estos cuatro artistas, la única mujer que, sin embargo, asegura no asumir su creación desde una perspectiva de género ni sentirse oprimida por su condición femenina. Su corta estancia en Madrid culminará además con un taller de artes plásticas en la misma casa.
Finalmente, el cuarto artista nos sumerge en una habitación oscura en la que ocho proyectores nos rodean a modo de caleidoscopio para ofrecer una visión múltiple y muy sensual de esta India recortada. Es la obra The Lightning Testimonies de Amar Kanwar (Delhi, 1964) que fue realizada para la Documenta 12. Kanwar procede del mundo del cine independiente y emplea sus videoinstalaciones para hacer llegar sus documentales al espectador de otro modo. En este caso, son distintas historias de violencia sexual camufladas entre imágenes de niños, banderas, cielos, artesanos, ropa tendida, fuego o paisajes lluviosos.
Dice Jose Guirao, actual director de La Casa Encendida, que la exposición Reflejos de la India Contemporanea es una muestra más de la lucha contra el etnocentrismo dominante en el arte contemporaneo de occidente. Después de exponer dudosos reflejos latinoamericanos, africanos o chicanos, ahora toca la India que, casualmente, será el país invitado en la futura edición de ARCO 2009. Así, aprovechando antes de tiempo el tirón de la feria, LCE se cubre con un velo de multiculturalidad y pretende, con sólo cuatro artistas, construir un "evocativo collage de la compleja experiencia vital de la sociedad india".
No cabe duda de que la India es un país complejo, casi un continente, etnias, religiones, miradas de todos los colores confluyen en su territorio. Parece obvio, también, que no hay forma coherente de unificar en un solo paradigma la producción cultural de este vasto estado. Los carteles de Bollywood son los ejemplos más populares entre nuestro desconocimiento pero, naturalmente, no es esto lo que interesa al mundo del arte. Los cuatro artistas que ha reunido la comisaria de la exposición Luisa Ortinez, traen otra visión de su tierra, que no es ni pop ni glob, pero tampoco reveladora.
Lo primero que llama la atención de esta muestra es el escaso espacio que ocupa en el sótano del edificio. Poco espacio, pocas obras y pocos artistas para un pretencioso cometido. No obstante estos cuatro representantes de la India merecen un reconocimiento al margen del título de la exposición o la política del centro.
Dos pinturas de N S Harsha (Mysore, 1969) dan una bienvenida llena de color al visitante. Payasos suicidas que sangran por la nariz en Poca Gracia y una dudosa crónica de su tiempo en De los creadores de la nausea a los estantes del supermercado. Harsha ha recibido recientemente el Artes Mundi Price por su trayectoria artística y dice combinar su minuciosidad en la pintura con grandes instalaciones que parece que en esta exposición no tenían cabida. Un reflejo cuanto menos visceral de su país.
Completan la primera sala las fotografías de Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977). Una batería de imágenes desoladoras de salas de baile y clubes nocturnos desiertos proyectada sobre una pared. Documento histórico de una realidad ya caduca. Según cuenta el artista, fotografió estos locales cuando fueron cerrados por el gobierno indio por servir de promoción a la prostitución. Otra muestra de su trabajo es la serie de retratos de catorce obispos diferentes en representación, cada uno de ellos, de su correspondiente facción del cristianismo. Multireligión ataviada con todos sus atributos. La obra de Anup se completa con las 500 fotografías sobre su padre proyectadas en sendas paredes enfrentadas.
La siguiente sala está ocupada por la obra de Sheela Gowda (Bhadravati, 1957) y es quizás la más interesante. Dos acuarelas de gran formato y dos instalaciones. Gowda ha participado de las grandes muestras de arte de occiente, como la Documenta 12 o la Bienal de Lyon, pero asegura que su obra es un puro reflejo de su tierra. Ha sido comentada, quizás demasiado, por usar en su obra escrementos de vaca con intención simbólica. Sin embargo en las tres obras expuestas en LCE no aparece este material. Las dos acuarelas forman una única pieza bajo el título 2/7 Agneepath. Se trata de una fotografía de un periódico y un fotograma de una película que mezclan ficción y realidad en una representación de la violencia. Las instalaciones son mucho más oníricas y evocadoras. Materiales industriales para despertar la esperanza de lo pobre.
Es Gowda, de estos cuatro artistas, la única mujer que, sin embargo, asegura no asumir su creación desde una perspectiva de género ni sentirse oprimida por su condición femenina. Su corta estancia en Madrid culminará además con un taller de artes plásticas en la misma casa.
Finalmente, el cuarto artista nos sumerge en una habitación oscura en la que ocho proyectores nos rodean a modo de caleidoscopio para ofrecer una visión múltiple y muy sensual de esta India recortada. Es la obra The Lightning Testimonies de Amar Kanwar (Delhi, 1964) que fue realizada para la Documenta 12. Kanwar procede del mundo del cine independiente y emplea sus videoinstalaciones para hacer llegar sus documentales al espectador de otro modo. En este caso, son distintas historias de violencia sexual camufladas entre imágenes de niños, banderas, cielos, artesanos, ropa tendida, fuego o paisajes lluviosos.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)